AT THE GATES e o legado eterno de 'Slaughter of the Soul'

 Por Júlio Feriato

Quando pensamos em death metal melódico, alguns discos surgem imediatamente na memória: Heartwork, dos ingleses do CARCASS; The Gallery, do DARK TRANQUILLITY; The Jester Race, do IN FLAMES. Cada um teve papel fundamental na consolidação do estilo.

Em termos de repercussão, talvez nenhum tenha causado tanto impacto inicial quanto Heartwork (1993). O choque não veio apenas da sonoridade mais limpa e melódica, mas também da guinada lírica: uma banda até então conhecida por letras grotescas e mórbidas, ligadas ao gore e à dissecação anatômica, de repente passou a escrever canções de tom mais sério e crítico. Essa mudança radical ampliou o alcance do CARCASS e provou que o death metal poderia explorar letras com crítica social e reflexão, sem perder intensidade.

Ainda assim, por mais importante que tenha sido, os suecos do AT THE GATES elevaram o death metal melódico a um novo patamar com Slaughter of the Soul, transformando o álbum em um marco definitivo da cena de Gotemburgo.

A banda sueca já vinha chamando atenção na cena europeia, especialmente após o EP Terminal Spirit Disease (1994), mas foi com Slaughter of the Soul que alcançou uma síntese explosiva: riffs velozes e cortantes, bateria incansável, vocais raivosos de Tomas Lindberg e, sobretudo, guitarras que, embora mantivessem os riffs agressivos característicos do death metal sueco, também traziam melodias memoráveis, capazes de permanecer na mente do ouvinte.

O resultado agradou tanto os fãs mais radicais do death metal quanto ouvintes acostumados a sonoridades menos extremas. O impacto foi imediato, e o disco logo passou a ser reconhecido como um divisor de águas do chamado “Gothenburg sound”, termo que batizou o estilo que se firmava na cidade sueca.

Se Heartwork mostrou que era possível suavizar as arestas do death metal sem perder peso, foram as bandas de Gotemburgo — AT THE GATES, IN FLAMES e DARK TRANQUILLITY — que realmente deram forma ao death metal melódico como gênero. Nesse trio, cada um desempenhou um papel fundamental: o AT THE GATES apresentou a versão mais concisa e agressiva; o DARK TRANQUILLITY apostou em atmosferas densas e vocais variando entre guturais e limpos; e o IN FLAMES expandiu o lado melódico com harmonias quase herdadas do heavy metal tradicional. Juntos, esses lançamentos meados dos anos 1990 consolidaram uma estética que, de tão marcante, logo se espalharia pelo mundo.

Gravado no Studio Fredman, com produção de Fredrik Nordström, Slaughter of the Soul contou ainda com a participação especial de Andy LaRocque (King Diamond), que gravou um solo lendário na faixa “Cold”. Há relatos (não confirmados) de que LaRocque recebeu a fita com a base para o solo em velocidade errada e, mesmo assim, conseguiu compor e executar a parte com maestria. Esse detalhe curioso só reforça a aura quase mítica em torno de um álbum que parecia destinado a ser histórico desde sua concepção.

Lançado em novembro de 1995, Slaughter of the Soul não apenas consolidou o “Gothenburg sound”, como também acabou se tornando o último registro do AT THE GATES por muitos anos. Logo após a intensa turnê de divulgação, em 1996, a banda entrou em hiato, alegando desgaste interno e divergências sobre o futuro. Alguns de seus integrantes não ficaram parados: os irmãos Anders e Jonas Björler, junto do baterista Adrian Erlandsson, fundaram o THE HAUNTED, banda que rapidamente conquistou destaque no thrash/death moderno e manteve viva a herança de agressividade deixada pelo AT THE GATES. Esse silêncio prolongado só reforçou o status "cult" de Slaughter of the Soul, que passou a ser visto como um “testamento” definitivo de uma era.

Foi apenas em 2007 que o AT THE GATES se reuniu para alguns shows comemorativos, e em 2014 veio o tão aguardado retorno ao estúdio com At War with Reality. A recepção foi positiva, assim como a de trabalhos seguintes como To Drink from the Night Itself (2018) e The Nightmare of Being (2021), que mostraram uma banda madura e ainda criativa. No entanto, por mais relevantes que tenham sido esses lançamentos, nenhum conseguiu igualar o impacto cultural e musical de Slaughter of the Soul, que segue intocado como o ápice da discografia e a obra que definiu a identidade do AT THE GATES para sempre.

A história, no entanto, ganhou um capítulo doloroso em setembro de 2025, quando a cena perdeu Tomas Lindberg, voz e coração do AT THE GATES. Aos 52 anos, ele não era apenas o frontman de uma das bandas mais influentes do metal extremo, mas também um símbolo de paixão e entrega. Com seu timbre raivoso e sua presença intensa no palco, Lindberg ajudou a transformar Slaughter of the Soul em um clássico eterno e deu identidade a um estilo inteiro. Sua morte deixou um vazio imenso: para a banda, que perde seu narrador visceral; para os fãs, que sempre encontraram em suas letras a mistura de fúria e reflexão; e para toda uma cena que o reconhecia como um dos maiores vocalistas do metal moderno. Mais do que um músico, Lindberg era a alma inquieta do AT THE GATES — e sua ausência será sentida sempre que soar o primeiro riff de “Blinded by Fear”.

Ao revisitar Slaughter of the Soul hoje, é impossível não perceber como esse álbum simboliza tanto o auge criativo de uma cena quanto o legado duradouro de um artista que se tornou voz de uma geração. O disco não apenas ajudou a inventar o death metal melódico tal como o conhecemos, como continua a inspirar músicos e ouvintes a buscar, no equilíbrio entre brutalidade e melodia, uma forma de expressão intensa, direta e atemporal. 

SERENITY (UK): doom britânico que merece ser redescoberto

Por Júlio Feriato

Antes mesmo da banda austríaca de power metal popularizar o nome SERENITY, nos anos 2000, existiu no Reino Unido um grupo homônimo que deixou sua marca discreta, mas sólida, no cenário do doom europeu. Formado em 1994, na cidade de Bradford, West Yorkshire, o Serenity britânico nasceu a partir de músicos ligados ao SOLSTICE, banda inglesa de doom/epic metal, e também de projetos que mais tarde dariam origem ao KHANG.

A primeira aparição oficial veio ainda no verão de 1994, com uma demo-tape de três faixas (Black Tears, Then Came Silence e Spirituality), gravada no Inner City Studio. A fita, hoje considerada item raro de colecionador, circulou em pelo menos três versões de capa, incluindo edições em papel vermelho, e já mostrava a ambição da banda de se destacar no underground europeu. A demo chamou a atenção da gravadora francesa Holy Records, que rapidamente ofereceu ao quinteto a oportunidade de gravar um álbum completo.

O resultado foi Then Came Silence, lançado em 1995. Gravado no Engine Room Studio de Bradford, o disco revelava uma banda já madura para os padrões do underground: riffs pesados, arranjos épicos e uma atmosfera melancólica que lembrava MY DYING BRIDE e CANDLEMASS. A abertura com Black Tears dá o tom do álbum, combinando riffs densos com os vocais limpos e marcantes de Daniel Savage. A faixa-título é outro ponto alto, alternando momentos de opressão sombria com passagens mais dinâmicas, mostrando a capacidade da banda de variar o ritmo sem perder a coesão. Mesmo assim, o Serenity sabia surpreender: a curta One for the Red Sky trazia energia direta e veloz, quase destoando do clima doom, enquanto I Am With You, com mais de oito minutos, mergulhava profundamente em atmosferas arrastadas e sombrias.

A recepção foi positiva dentro do underground. Then Came Silence recebeu 17/20 no site Spirit of Metal, e faixas da banda apareceram em compilações da Holy Records, como The Holy Bible 1 (1996), com a inédita Skin of the Soul. Em pouco tempo, o Serenity havia conquistado um espaço respeitável, ainda que restrito, na cena europeia.

Em 1996, a banda retornou ao estúdio para registrar Breathing Demons, seu segundo e último álbum. Mais pesado, voltado ao death-doom e ao gothic doom, o disco dividiu opiniões: recebeu apenas 12/20 no Spirit of Metal e não alcançou a mesma repercussão do debut. Pouco depois, sem anúncios formais ou turnês expressivas, o SERENITY entrou em silêncio, sendo oficialmente considerado inativo apenas em 1997.

O legado, entretanto, não se perdeu. Alguns ex-membros fundaram o KHANG (1998-2004), que posteriormente originou o LAZARUS BLACKSTAR, voltado ao sludge/doom. Apesar de pesados e consistentes, esses projetos nunca atingiram a aura épica e atmosférica que marcou o Serenity nos anos 90.

Hoje, o SERENITY permanece como uma banda que merece ser redescoberta pelos fãs do gênero. Seu nome ressurge sempre que se revisita a história de um estilo que fez da melancolia e da densidade sonora sua principal linguagem — e que, no caso desta banda de Bradford, encontrou uma de suas expressões mais autênticas e obscuras.

AMEN CORNER e o impacto do debut "Fall, Ascension, Domination" no underground brasileiro

Por Júlio Feriato

O AMEN CORNER surgiu envolto em polêmica. Logo no início da carreira, uma entrevista concedida à revista Rock Brigade incendiou a cena: o vocalista Paulista — hoje conhecido como Sucoth Benoth — declarou abertamente sua adesão ao satanismo e disparou que o thrash metal era “coisa de boy”. A alfinetada não foi gratuita. O alvo, como muitos entenderam, eram bandas como PANTERA e SEPULTURA, que na época já haviam conquistado um público mais amplo, distante da essência underground do metal.

A partir dali, escrevia-se uma nova página do black metal brasileiro. E o AMEN CORNER foi, sem dúvida, um dos grandes responsáveis por popularizar o estilo no país. Se antes quase não se ouvia falar de bandas do gênero, pouco tempo depois o cenário se transformaria.

Em 1993 a banda lançou seu debut: Fall, Ascension, Domination. Um álbum que, para mim, permanece insuperável. Confesso que, na primeira audição, não gostei. A produção me soou estranha, e o vocal, cheio de efeitos, parecia baixo demais na mixagem. Mas logo depois me vi completamente viciado.

Fall, Ascension, Domination não é apenas o primeiro registro do AMEN CORNER — é um manifesto. O álbum combina agressividade extrema com claras influências de doom metal, criando uma atmosfera própria, intensa e abrasileirada, distante da frieza do black metal norueguês. A produção é crua, mas mantém clareza: as guitarras cortam como lâminas, a bateria soa ríspida, e a voz de Paulista é um grito de guerra contra qualquer resquício de luz.

Essa fusão de peso, melancolia e densidade era, aliás, uma característica marcante do black metal brasileiro da época: músicas carregadas de atmosfera sombria e introspectiva, que conviviam com a agressividade típica do estilo. Para mim, essa combinação de brutalidade e lirismo sombrio foi o que deu ao AMEN CORNER — e a muitas bandas do cenário nacional — uma identidade própria e inconfundível.

O disco abre com riffs intensos e compassos diretos, sem espaço para contemplação. Faixas como “On the Throne with Lucifer” e “Heir of Lust, Heir of Pleasure” (que me impactaram profundamente) são exemplos de como o AMEN CORNER soube equilibrar agressividade, rispidez e atmosfera. Não era só barulho: havia construção, havia intenção. Ouvir o álbum inteiro era atravessar um ritual — sombrio, extremo e fascinante.

Para quem viveu aquele momento, o disco significava muito mais do que música: era uma senha de pertencimento. Ter Fall, Ascension, Domination na coleção era como carregar um brasão, um atestado de que você realmente fazia parte do underground.

Amen Corner no lendário "Passport to Hell" (1994). Foto: Facebook

Eu fui um desses fãs de carteirinha. Escutava o álbum sem parar, decorava cada letra, vivia aquela música como um evangelho sombrio. Até que veio o batismo real: o show em Bauru/SP, no festival Passport to Hell. Eu tinha apenas 16 anos e nunca havia pisado em um evento underground de death e black metal. Aquilo foi o paraíso. O público era exatamente como eu sonhava: cabelos longos, roupas pretas, camisetas de bandas obscuras que não eram do mainstream.

Tive a chance de conhecer os músicos e até me senti importante quando um dos guitarristas me convidou para tomar uma cerveja no bar. Eu só pensava: “ninguém vai acreditar quando eu contar isso”. Guardo até hoje a lembrança de quando ofereci um copo de vinho a Tito — hoje rebatizado como Murmúrio. Ele recusou, berrando que “não tomava sangue de Cristo!”. Rimos. No geral, todos foram simpáticos e acessíveis. Com exceção do vocalista Paulista, que mal levantava os olhos para falar duas ou três palavras. Na época, achei-o um mala sem alça. Talvez a evidência em que a banda se encontrava tivesse subido à cabeça. Curiosamente, anos depois, quando o entrevistei no meu saudoso Heavy Nation, encontrei um sujeito bem mais simpático.

Aquela noite ficou marcada. Se pudesse, voltaria no tempo para reviver tudo. Porque o metal daquela época ainda era cru, intenso, sem as diluições que viriam depois. Não havia new metal, não havia emocore. E a Galeria do Rock fervilhava de lojas de discos e headbangers, não dessa mistura de estilos que hoje ocupa o espaço. Era um outro mundo, e o AMEN CORNER estava no centro dele.

Que fique claro: não tenho nada contra new metal ou emocore. Só que, para mim, eles não tinham a ver com aquele universo específico em que eu estava mergulhado. 

MORFIN: consumidos pela chama do death metal noventista

Por Júlio Feriato

Enquanto muitas bandas veteranas de metal extremo insistem em retornos pouco inspirados, a cena underground vê nascer diversos grupos jovens — mas poucos conseguem capturar a essência do death metal clássico. Na Califórnia, porém, há uma banda determinada a manter vivo o espírito noventista do gênero: o MORFIN.

O quarteto estreou em 2014 com Inoculation, um álbum que já mostrava maturidade surpreendente para uma banda tão jovem. Com Jesus Romero (vocais/guitarra), Pedro Gonzales (guitarra), Michael González (baixo) e Miguel Hernándes (bateria), o grupo entregava riffs densos e melodias que remetiam diretamente ao espírito da velha escola, estabelecendo a identidade sonora do MORFIN. A produção de Inoculation é satisfatória para um disco de estreia underground: embora não seja brilhante, consegue transmitir o peso das guitarras e a força da bateria de maneira convincente, permitindo que as composições se destaquem.

Em 2017, o MORFIN lançou seu segundo álbum, Consumed by Evil. Da formação original, permaneceram o baixista Michael González e o vocalista/guitarrista Jesus Romero (creditado no disco como Chucho Mairen). Para completar o time, entraram Eduardo Andrade na bateria e Mike De La O na guitarra. O álbum se destaca não apenas pela fidelidade ao estilo noventista, mas também pelo futuro promissor que os novos integrantes encontrariam dentro do death metal. Pouco depois, Mike De La O passou a integrar o SKELETAL REMAINS, ajudando a consolidar a identidade sonora da banda, enquanto Eduardo Andrade também teve passagem registrada pelo grupo. Dessa forma, o MORFIN acabou servindo como ponto de partida para músicos que mais tarde alcançariam maior projeção internacional, o que reforça o valor histórico de Consumed by Evil.

Musicalmente, Consumed by Evil amplia as ideias de Inoculation, com composições mais refinadas e complexas. A primeira impressão ao ouvir o disco é quase cinematográfica: como se o lendário Chuck Schuldiner tivesse deixado algumas composições inéditas de Leprosy guardadas em um cofre, apenas para que fossem reveladas agora. A voz de Chucho Mairena evoca a agressividade e a entonação de Chuck, enquanto as guitarras exploram melodias que lembram uma fusão entre Spiritual Healing e Leprosy, com toques do peso sombrio do OBITUARY.

A faixa de abertura “Reincarnated” mostra riffs cortantes, estruturas bem costuradas e energia que remete diretamente ao auge da velha escola. Músicas como “Slowly Dismembered” e “Illusions of Horror” continuam a linha da velha escola, enquanto “Posthumous” poderia facilmente ter sido parte de uma demo de pré-produção de Human, evidenciando o profundo respeito pelo legado do DEATH. Comparado ao GRUESOME, outro revivalista da cena, o MORFIN soa mais natural, maduro e espontâneo.

Lineup de "Inoculation".

O que impressiona nos dois discos é a maturidade alcançada pelos músicos, mesmo tão jovens. Eles conseguem capturar a essência da época sem cair em mera imitação. No entanto, há uma diferença importante na produção: enquanto Inoculation consegue transmitir o peso necessário para as composições, Consumed by Evil sofre com uma gravação realmente fraca, que mais parece uma demo lançada como álbum. As guitarras perdem densidade, a bateria não soa contundente, e o conjunto geral carece de clareza e impacto, prejudicando o potencial do disco de alcançar maior destaque na mídia especializada.

Ainda assim, essa crueza sonora pode ser interpretada como charme adicional para fãs que buscam reviver o clima do underground da época. No fim das contas, Inoculation e Consumed by Evil são essenciais tanto para veteranos nostálgicos quanto para jovens headbangers que desejam experimentar a brutalidade e a atmosfera que moldaram o death metal no início dos anos 90.

MONSTROSITY: o clássico Imperial Doom segue eterno no underground

 Por Júlio Feriato

Quando se fala nos grandes nomes do death metal da Flórida do início dos anos 90, é quase automático pensar em DEATH, MORBID ANGEL, OBITUARY e DEICIDE. Mas, nessa mesma cena efervescente, surgia também o MONSTROSITY, banda que entregou um debut tão poderoso quanto subestimado: Imperial Doom.

Lançado em 26 de maio de 1992 pela Nuclear Blast, Imperial Doom deixou sua assinatura indelével no death metal técnico da Flórida. A formação era afiada: Lee Harrison (bateria), George “Corpsegrinder” Fisher (vocal), Jason Gobel (guitarra), Jon Rubin (guitarra) e Mark Van Erp (baixo). Com riffs brutais e precisão cirúrgica na base rítmica, o álbum mostrou que o MONSTROSITY poderia rivalizar com os gigantes da cena, ainda que o sucesso comercial nunca tenha realmente chegado.

A produção, porém, é um ponto controverso. O álbum foi gravado no renomado Morrisound Studios, e era para ter sido produzido pelo popular Scott Burns. Como Burns estava com a agenda cheia, a responsabilidade caiu nas mãos de Jim Morris, mais habituado a trabalhar com bandas de heavy metal tradicional do que com o death metal extremo. Apesar da clareza do som, que permite distinguir cada instrumento, o baterista Lee Harrison sempre demonstrou insatisfação com a mixagem, alegando que a bateria ficou alta demais e as guitarras, baixas e sem peso; como ele mesmo revelou em entrevista ao canal Heavy Culture em 2022: “Eu gosto das músicas, mas na época éramos muito jovens e estúpidos, então não posso culpar ninguém pela produção ruim”, declarou.

Talvez o fato do produtor Jim Morris nunca ter trabalhado antes com um grupo de death metal explique, em parte, o resultado não satisfatório de Imperial Doom – curiosamente, alguns anos depois, o mesmo Jim Morris assinaria a produção de Symbolic (1995), do DEATH, amplamente considerado o álbum mais bem produzido da banda.

Mesmo assim, músicas como a faixa-título, “Ceremonial Void”, “Definitive Inquisition”, "Burden of Evil" e "Final Cremation" (que ganhou um videoclipe) se tornaram cultuadas no underground, marcando também a estreia de George Fisher, que anos depois assumiria os vocais do CANNIBAL CORPSE.

A capa de Imperial Doom, assinada por Dan Seagrave, também merece destaque. O artista britânico criou aqui uma paisagem sombria e monumental, repleta de ruínas ciclópicas e figuras arquitetônicas que remetem à decadência de civilizações inteiras. A escolha visual traduz perfeitamente o conceito de “imperial” e de “ruína” presente no título: uma metáfora visual para a queda inevitável de qualquer poder terreno diante da brutalidade e da morte. Assim como a música, a arte mistura grandiosidade e devastação, tornando o disco imediatamente reconhecível na prateleira e reforçando seu caráter épico dentro do underground.

Durante a divulgação no Brasil, em entrevista à revista Rock Brigade, Fisher chegou a afirmar que Imperial Doom era um disco de “matar Deus”. No mesmo instante, ele se corrigiu, esclarecendo que se tratava apenas de uma metáfora e que não tinha nada contra a fé ou um Deus espiritual. 

No país, o álbum ganhou status cult entre os deathbangers. Licenciado pela Rock Brigade Records, distribuído pela Devil Discos e prensado pela BMG Ariola, tornou-se uma relíquia disputada entre colecionadores. Nos círculos underground, é lembrado como um tesouro difícil de encontrar, já que muitas cópias circulam apenas em forma de bootlegs caros.

Comentários de fãs e críticos reforçam sua relevância. Alguns destacam a densidade técnica e a mistura de brutalidade com complexidade, enquanto outros lembram que a produção, embora “polida”, não tira a força das composições. Sites como Metal Archives, Metal Academy e Sputnikmusic consideram Imperial Doom um registro essencial do death metal técnico, muitas vezes colocado entre os melhores trabalhos da banda.

Apesar da qualidade, o álbum não teve a mesma projeção internacional de contemporâneos como Cannibal Corpse ou Morbid Angel. A turnê de divulgação sofreu cortes, e a banda não alcançou o mesmo espaço em clipes ou na mídia especializada.

Depois de sua primeira tiragem em 1992 e alguns repressings até 1997, Imperial Doom nunca mais recebeu relançamento oficial. Apenas cópias piratas surgiram no Leste Europeu por volta de 2015. As razões exatas nunca foram confirmadas, mas há fortes indícios de questões contratuais e de direitos autorais com a Nuclear Blast. A ausência de edições atuais em CD ou vinil oficial transformou o álbum em item de colecionador, com preços altos em sites como Discogs e eBay.

Esse “desaparecimento” do catálogo oficial só aumentou o status cult de Imperial Doom, tornando-o uma joia rara dentro da história do death metal. Passados mais de trinta anos, o disco segue essencial para compreender a cena da Flórida: brutal, técnico e sem concessões. É uma obra que divide opiniões sobre produção, mas que representa como poucas o espírito de uma época em que o death metal florescia em sua forma mais pura e impiedosa.