DISMEMBER: o nascimento do clássico "Like an Everflowing Stream"

Por Krampus

Foto promocional do álbum "Like an Everflowing Stream".

No início dos anos 1990, a Suécia consolidava seu nome como um dos principais polos do death metal mundial. Com uma sonoridade própria — marcada por guitarras densas e atmosfera sombria —, bandas como ENTOMBED e CARNAGE ajudaram a definir os rumos do gênero. Nesse cenário efervescente, o DISMEMBER surgia como um dos nomes mais promissores da cena.

Assim como seus compatriotas do NIHILIST e do ENTOMBED, o DISMEMBER já lançava demos desde 1988. No entanto, enquanto o ENTOMBED estreou em 1990 pela Earache Records, o DISMEMBER levou cerca de 11 meses a mais para lançar seu primeiro álbum pela Nuclear Blast.

Carnage.

A demora pode ser explicada por diferentes fatores: desde o tempo necessário para a contratação pela gravadora até o envolvimento de seus integrantes — Matti Kärki, David Blomqvist e Fred Estby — com o primeiro disco do CARNAGE, "Dark Recollections". Vale lembrar que algumas faixas originalmente ligadas ao repertório do DISMEMBER, como "Self Dissection" e "Death Evocation", acabaram sendo registradas nesse álbum.

Naquele período, a cena sueca de death metal era marcada por intensa colaboração entre músicos. Kärki, por exemplo, chegou a substituir Johan Liiva — que posteriormente integraria o ARCH ENEMY. Já Michael Amott deixou o CARNAGE rumo ao CARCASS, enquanto outros integrantes circularam por bandas como o próprio ENTOMBED. Era um cenário de trocas constantes, típico de um movimento ainda em formação.

É nesse contexto que surge "Like an Everflowing Stream" — doravante referido como LAEFS —, um dos lançamentos fundamentais do death metal sueco. Ao lado de "Left Hand Path", do ENTOMBED, e de "Dark Recollections", do CARNAGE, o disco ajudou a consolidar o som característico da região. Em comparação ao trabalho do CARNAGE, de produção mais branda, LAEFS se destaca por sua abordagem mais crua, agressiva e visceral.

Embora compartilhe três integrantes com o CARNAGE, o DISMEMBER apresenta aqui uma sonoridade renovada. Em relação a "Left Hand Path", o álbum soa mais sombrio e ameaçador, apostando em contrastes entre velocidade e cadência. Faixas como "And So Is Life" evidenciam o uso inteligente de melodias e variações rítmicas, enquanto elementos pouco usuais, como vocais em coro, ampliam a atmosfera das composições.

Outro destaque é "Dismembered", cuja introdução longa e sinistra cria tensão antes de evoluir para passagens intensas, marcadas por blast beats e mudanças de andamento. Já "Bleed for Me" revela resquícios do punk sueco, ainda que em menor grau, enquanto "Skin Her Alive" flerta com o thrash metal, podendo facilmente ser associada a nomes como Darren Travis ou Mille Petrozza.

Sem a necessidade de analisar faixa a faixa, fica evidente que o DISMEMBER entregou um trabalho mais sombrio e consistente do que muitos de seus contemporâneos. Até mesmo escolhas estéticas típicas da época, como os efeitos vocais em "Defective Decay", soam coerentes dentro do contexto do início dos anos 1990.

Recentemente, a banda anunciou seu retorno com a formação original, reacendendo o interesse dos fãs por um dos nomes mais importantes do death metal escandinavo.

Selo: Back On Black
Data de lançamento: 28 de março de 2010 [originalmente de 1991]

Formação:
Fred Estby – Bateria, Letras;
Matti Kärki – Vocal, Letras;
David Blomqvist – Guitarra Rítmica (solo na faixa 1);
Robert Sennebäck – Guitarra Rítmica;
Richard Cabeza – Baixo;
Participação especial de
Nicke Andersson [baterista do Entombed ] – Guitarra Solo (faixas 2-8).

Lista de faixas:
1 Override of the Overture
2 Soon to Be Dead
3 Bleed for Me
4 And So Is Life
5 Dismembered
6 Skin Her Alive
7 Sickening Art
8 In Death's Sleep
9 Deathevocation
10 Defective Decay
11 Torn Apart
12 Justifiable Homicide

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EXORCIST: A GÊNESE ASSUSTADORA DE "NIGHTMARE THEATRE"

Por Krampus

Nos anos 90, meu grupo de amigos — mais de 30 jovens fanáticos por metal — estava totalmente imerso no movimento underground. Se a capa fosse brutal ou ofensiva e a música combinasse, estávamos dentro. Logo as comportas se abriram e inúmeras bandas "novas" surgiram, como Bathory, Possessed, Mayhem e Exodus, e a cada álbum o gênero se expandia, ficando mais intenso.

Um dia, nos deparamos com um álbum que marcou mais do que talvez todos os outros que vieram antes dele, com seu som demoníaco e uma narrativa que, mais de trinta anos depois, ainda me fazem elogiá-lo aos quatro ventos. Esse álbum era de uma "banda" desconhecida chamada Exorcist, e se chamava Nightmare Theatre. Curiosamente, a história de como essa obra-prima surgiu pode ser mais interessante do que o próprio disco...

Veja bem, no início dos anos 80, havia um vocalista e compositor em Nova York chamado David Defeis. Ele era o líder de uma pequena banda independente de power metal chamada Virgin Steele, que nunca alcançou o sucesso das bandas que mencionei anteriormente, mas lançava álbuns excelentes no estilo do Queensrÿche e do Iron Maiden do início de carreira.

No entanto, depois de "pegar emprestado" dinheiro do seu empresário para conseguir a qualidade de álbum que ele e a banda desejavam, esse empresário começou a querer parte do dinheiro de volta. Querendo que seu cliente "cantasse com os anjos" em vez de "dormir com os peixes", ele propôs uma ideia irrecusável para Defeis: compor alguns álbuns para ele, encontrar alguns músicos, gravar tudo rapidamente e produzir três discos que ele pudesse vender além dos trabalhos do Virgin Steele — tudo sem que ninguém soubesse que era, na verdade, o David.

Embora o fato de artistas fingirem ser outros não fosse exatamente uma novidade (vide os dois primeiros álbuns dos Monkees, com músicos e compositores "de verdade"), era algo inédito no mundo do metal. Mas Defeis, numa situação delicada, aceitou o acordo para quitar a dívida. Junto com o guitarrista do Virgin Steele, Edward Pursino, ele se propôs a gravar três álbuns de metal em um mês. Isso mesmo, UM mês! Com cada um tentando ser distinto, diferente e definitivamente fora do estilo Virgin Steele, eles entraram rapidamente no estúdio para criar esse material, tudo sob a forte pressão de se livrarem das pessoas que os cobravam.

O primeiro disco foi de uma banda já estabelecida chamada Piledriver. Liderada pelo vocalista Gord Kirchin, a formação tinha um estilo meio parecido com o do The Mentors, com machões que exaltavam sexo, drogas e bebidas. O álbum Stay Ugly foi escrito por Defeis e Pursino depois de ouvirem o primeiro disco da banda, chamado Metal Inquisition, e tentarem dar continuidade ao trabalho de onde ele havia parado. Composto e gravado em menos de uma semana, acabou sendo um sucesso moderado — um bom começo para essa farsa, mas o melhor ainda estava por vir.

O segundo álbum deveria ser um projeto totalmente novo. Uma obra-prima de black metal no estilo do Venom e dos então novatos do Bathory, da Suécia. Defeis ficou encarregado de compor o material, contratar músicos para se juntarem a Pursino, além de supervisionar e produzir o projeto.

Criado num ambiente operístico com forte tradição de contar histórias, Defeis decidiu que seu trabalho teria um conceito: os julgamentos das bruxas de Salem, no século XVII, e a possessão demoníaca que os acompanhava. No entanto, quando chegou a hora de gravar sua obra satânica, tanto o baixista quanto o vocalista contratados desistiram imediatamente devido às suas crenças cristãs. Pressionado pelo tempo, Defeis percebeu que, naquele momento, o único disponível para os vocais era ele mesmo. Então, ele assumiu o microfone e rapidamente transformou sua voz natural de mais de três oitavas naquela voz infernal. E em menos de uma semana, outro álbum estava gravado: Exorcist.

Curiosamente, o que realmente me impressiona neste álbum é a sua qualidade, considerando o pouco tempo que levou para ser criado. Vocais malignos e exagerados que rosnam de dor, solos de guitarra incendiários e até mesmo as partes de baixo e bateria soam como se a banda estivesse tocando aquele material há anos, e não como se fosse uma novidade. Na verdade, ele tinha algo que a maioria dos álbuns daquela época não podia afirmar: era realmente assustador, como um filme de terror da Hammer dos anos 70. Para quem nunca ouviu, imagine se, digamos, o Mercyful Fate fosse "obrigado" a fazer um álbum como o Venom. Ou o Iron Maiden fazendo o seu melhor para imitar o Bathory.

Aliás, fizeram um ensaio fotográfico para a banda "falsa" com quatro caras que não estavam no álbum! Tudo isso sob a pressão de garantir que ninguém reconhecesse que eram, na verdade, os membros do Virgin Steele. E acredite, eles conseguiram. Se esse segredo nunca tivesse sido revelado, nem eu acreditaria que eram as mesmas pessoas. Verdadeiramente uma das histórias mais estranhas do heavy metal underground dos anos 80: eles criaram uma "banda" que, depois que o projeto terminou, chegou às lojas, vendeu bem e desapareceu rapidamente, sem que ninguém jamais desconfiasse que ela não existia de verdade.

Infelizmente — e digo infelizmente mesmo —, como muitas gravadoras daquela época, a Cobra Records faliu antes do fim da década. Por causa disso, Nightmare Theatre nunca foi lançado em CD (apenas alguns bootlegs remasterizados a partir do vinil). Mais de 30 anos se passaram, e só recentemente Defeis admitiu ser o responsável pelo Exorcist. Para nossa sorte, quando ele devolveu as gravações originais desses três álbuns, entregou cópias mixadas, guardando a master original para si, pensando que, quem sabe um dia, pudesse relançar o álbum. Em 2016, ele decidiu que finalmente era a hora certa.

Dito isso, o que eu tenho em casa é a versão mais recente em LP, mas deixe-me contar a vocês como o conjunto de dois CDs foi lançado: completo com luva protetora, novas notas/fotos de encarte e algo que eu jamais imaginei ser possível: não uma, nem duas, mas três versões diferentes do álbum, cada uma ligeiramente diferente das demais. A primeira versão é o álbum original com o qual cresci, remasterizado para os padrões atuais; a segunda é uma mixagem mais alta com algumas pequenas adições; e a terceira, na qual certas partes foram estendidas e regravadas, inclui efeitos assustadores adicionais. No geral, é uma ótima apresentação.

Também há novas faixas "descobertas" do Exorcist, mas que na verdade são novas faixas de Defeis gravadas no clima da banda, que finalmente permitiram que ele fosse ele mesmo, com sua voz característica do Virgin Steele, junto com sua metade sombria "Damian Rath" (sob a qual ele foi creditado no álbum original). Essas novas faixas são interessantes, incluindo duas regravações de "Death By Bewitchment" e "Queen Of The Dead", nas quais ele parece estar fazendo um dueto com ambas as suas versões!

Nightmare Theatre é, sem dúvida, uma obra-prima do thrash/black metal dos anos 80. O fato de um álbum que ouvi pela primeira vez na adolescência me impactar tanto mostra que é algo realmente especial. Um conceito e narrativa únicos (quase dois anos antes de Abigail, do King Diamond), interlúdios aterrorizantes e faixas de metal abrasadoras que ficarão na sua cabeça para sempre.

Por fim, gostaria de acrescentar que, se o Sr. Defeis algum dia ler isto, eu gostaria de lhe agradecer. Sei que o Virgin Steele é seu xodó, seu ganha-pão, mas de todo o seu trabalho, nada me marcou tanto quanto Nightmare Theatre. Uma obra conceitual verdadeiramente original para uma era do metal que jamais morrerá. Ainda soa tão atual e assustadoramente original quanto em 1986. Sua remasterização pessoal ficou excelente.

Espero que, com isso, uma nova geração de fãs o descubra, fazendo com que você perceba que até mesmo grandes momentos podem surgir da adversidade. Como você, e como a criança no final do álbum, diz: "Tudo graças ao Exorcist, Deus o abençoe."

Ah, e quanto ao "terceiro" álbum de que eu estava falando? Esse projeto final se chamava Original Sin e era para ser uma banda só de mulheres, composta e interpretada por três caras e a própria irmã do David nos vocais principais! Soa como uma continuação musical do Nightmare, mas com uma vocalista gótica, o que por si só já é uma história à parte.

Gravadora: High Roller Records
Ano de lançamento original: 1986 [Reedição analisada em 2018]

Formação:
Damien Rath – Vocal, Baixo
Marc Dorian – Guitarras, Baixo
Jamie Locke – Baixo Geoff Fontaine – Bateria 

Lista de faixas: 
01 – Black Mass 
02 – The Invocation 
03 – Burnt Offerings 
04 – The Hex 
05 – Possessed 
06 – Call for the Exorcist 
07 – Death by Bewitchment 
08 – The Trial 
09 – Execution of the Witches 
10 – Consuming Flames of Redemption 
11 – Megawatt Mayhem 
12 – Riding to Hell 
13 – Queen of the Dead 
14 – Lucifer's Lament 
15 – The Banishment 

Links relacionados: Entrevista com David Defeis sobre os tempos do Exorcist

MAJOR MOMENT: O DESAFIO DE SOAR ALÉM DO ALGORITMO

 Por Júlio Feriato

Confesso que tenho um certo preconceito com bandas que surgem em anúncios pagos do Instagram — quase sempre soa artificial demais. Mas, como toda regra tem exceção, o MAJOR MOMENT acabou furando essa bolha. A banda lançou no ano passado seu primeiro disco, The Pain That Makes Us Grow, e está para lançar seu sucessor In Love & War, mostrando que talvez haja mais consistência ali do que eu imaginava à primeira vista.

Formada em 2018 na cidade de Boston (EUA), o som do MAJOR MOMENT pode ser definido como uma mistura entre LACUNA COIL e nomes do metal alternativo como LINKIN PARK e PARAMORE (a própria banda se diz influenciada por eles). 

Capa de The Pain That Makes Us Grow.

A música tem um apelo pop muito forte, e eles acertam em composições “chiclete”, com refrões que ficam grudados na cabeça. Músicas como “Toxic” e “The Flood” deixam claro esse jogo entre o pop e o peso, mostrando como a banda sabe dosar bem melodias grudentas com passagens mais intensas.

A dupla de vocalistas Andrey Borzykin e Sasha Razumova (curiosamente, ambos são russos) funciona muito bem, criando aquele contraste já conhecido entre vocal masculino e feminino, mas sem soar datado. Pelo contrário, há uma certa modernidade na forma como as vozes se complementam, principalmente nas alternâncias entre partes mais suaves e explosões mais pesadas.

O material segue uma linha bastante acessível, com produção polida e foco claro em alcançar um público amplo. Para alguns ouvintes mais puristas, isso pode soar excessivamente comercial — e, sendo sincero, em alguns momentos realmente flerta com esse limite. Ainda assim, é difícil negar a eficiência das faixas: há um cuidado evidente com melodias, estrutura e impacto imediato.

A banda já deu alguns bons indícios do que está por vir com os videoclipes de “Promises” e “Not That Broken”, além do lyric video de “All For None”, que mostram uma bela evolução em relação ao que foi apresentado em The Pain That Makes Us Grow. Há um amadurecimento perceptível tanto na parte estética quanto na musical. As composições parecem mais seguras, os refrões continuam fortes, mas soam menos padronizados, e a produção ganha ainda mais peso e refinamento.

É como se o MAJOR MOMENT estivesse começando a encontrar uma identidade mais própria, deixando de soar apenas como um conjunto de influências bem executadas. Se o álbum completo mantiver esse nível, há boas chances de a banda dar um passo importante dentro do cenário — principalmente entre aqueles que buscam um metal moderno, acessível e com forte apelo melódico.

No fim das contas, meu preconceito inicial acabou sendo deixado de lado. Talvez não seja o tipo de som que eu colocaria como prioridade no dia a dia, mas reconheço que é um trabalho competente — e, principalmente, honesto dentro daquilo que se propõe.

 

SANCTUARY: Into The Mirror Black é um clássico que atravessou gerações

Por Júlio Feriato

Formação clássica do Sanctuary.

É curioso como o tempo avança sem pedir licença e, muitas vezes, sem que a gente perceba. A sensação é de que foi ontem. Mas não foi.

Já se passaram décadas desde aquela tarde em que saí da minha cidade com alguns amigos rumo a uma loja de discos numa cidade vizinha. O motivo? Uma prateleira generosa dedicada ao heavy metal, um verdadeiro oásis para um bando de adolescentes barulhentos e apaixonados por música pesada.

Eu já conhecia a loja, mas, daquela vez, havia um objetivo muito claro: comprar Into The Mirror Black, do SANCTUARY. Dias antes, tínhamos assistido ao clipe de "Future Tense" no saudoso Fúria Metal, da MTV. Foi o suficiente para nos deixar completamente obcecados. Imagine a cena: metaleiros de 14, 15 anos, hipnotizados diante da televisão, impactados por aquela avalanche sonora e visual. E, claro, pela figura magnética de Warrel Dane, com o cabelo quilométrico, a presença imponente e aquela voz dramática, única, inconfundível. Era impossível sair ileso daquela experiência.

Confesso: foi ali que nasceu a inspiração para este que vos escreve deixar o cabelo crescer. Porque, naquela época, mais do que ouvir heavy metal, eu queria viver aquilo. E vivi.

Mas este texto não é apenas memória afetiva. É também celebração. São 36 anos de um disco que se tornou um dos grandes clássicos do heavy metal mundial e, no meu caso, um dos álbuns mais ouvidos da vida.

Eu já conhecia o SANCTUARY por Refuge Denied, outro trabalho que amo. Mas foi em Into The Mirror Black que a banda decidiu dar um passo além. A produção ficou a cargo de Howard Benson, que entregou uma sonoridade mais limpa e definida do que no debut, sem diluir o peso. É um disco que soa mais encorpado, mais maduro. As composições apresentam arranjos mais trabalhados, com nuances progressivas — não no virtuosismo intrincado de um Dream Theater, mas em estruturas menos óbvias, mudanças de dinâmica e um refinamento que amplia o impacto das músicas.

A cozinha ganhou força. O baixo de Jim Sheppard, por exemplo, aparece com muito mais personalidade, ajudando a construir a atmosfera sombria que permeia o álbum.

Mas o grande destaque é, sem qualquer dúvida, Warrel Dane.

Se em Refuge Denied ele flertava com agudos mais estridentes, claramente influenciados por King Diamond, aqui ele assume de vez a própria identidade. Os agudos continuam presentes, mas surgem mais controlados, mais técnicos, mais emocionais do que teatrais. A evolução entre um disco e outro é evidente. Warrel já sabia exatamente o que estava fazendo: dominava a interpretação, a intensidade, o drama. Em muitos momentos, é difícil não pensar que ele sozinho já valia pela banda inteira.

A bela capa, sombria e quase onírica, dialoga perfeitamente com as letras introspectivas e existenciais — uma característica que se tornaria ainda mais marcante na trajetória posterior de Warrel.

Entre as faixas, “Future Tense” acabou se tornando o cartão de visitas por causa da forte exposição na MTV. Mas reduzir o álbum a esse single seria uma injustiça. O disco é coeso, maduro e inspirado do início ao fim. Ainda assim, algumas músicas sempre falaram mais alto por aqui: "Eden Lies Obscured", "Epitaph" e "Season of Destruction" (sempre achei que esta merecia um videoclipe). Foram elas as responsáveis por incontáveis noites de air guitar no meu antigo quarto, quando o mundo lá fora podia esperar e tudo o que importava era aumentar o volume e deixar o disco girar.

Mas, mesmo com toda essa maestria, o SANCTUARY foi mais um nome vencido pela ganância da indústria musical. Para entender isso, é necessário relembrar o contexto em que esse disco foi inserido.

Lançado em 1990 pela Epic Records, o álbum surgiu em um momento de transição no cenário pesado: o thrash vivia seu auge comercial, o glam ainda dominava a programação da MTV e o grunge começava a ganhar forma em Seattle. No meio desse choque de estilos, o SANCTUARY apostou em algo mais sombrio, técnico e emocional — um heavy metal denso, tradicional na essência, mas já apontando para estruturas mais elaboradas.

Nos bastidores, porém, o cenário era menos harmônico. Havia pressão da gravadora por um som mais acessível e divergências internas sobre os rumos musicais da banda. As tensões durante e após a turnê acabaram contribuindo para o fim do grupo pouco tempo depois. Das cinzas surgiria o NEVERMORE, que aprofundaria muitas das ideias estéticas e temáticas plantadas aqui.

Apesar dos elogios da crítica, Into The Mirror Black não alcançou grande sucesso comercial. Talvez tenha sido pesado demais para o mainstream da época e sofisticado demais para parte do público tradicional. O tempo, porém, fez justiça. Atualmente, o álbum é reverenciado como uma das obras mais consistentes do metal técnico do início dos anos 1990.

Olhando em retrospecto, Into The Mirror Black soa como um disco lançado na encruzilhada de uma era. Carrega o peso do passado, antecipa caminhos do futuro e mantém uma identidade muito própria. Talvez seja por isso que continue tão atual. E talvez seja por isso que, para muitos de nós, ele não seja apenas um clássico, mas parte da nossa própria história. Pelo menos da minha, é.

BANGERS OPEN AIR: DIVULGADA A GRADE DE ATRAÇÕES

A organização do Bangers Open Air divulgou a programação oficial com a ordem das atrações para a edição 2026, marcada para 25 e 26 de abril. 

Ao todo serão 44 shows distribuídos em quatro palcos: Hot Stage, Ice Stage, Sun Stage e Waves Stage.

Confira:

Ingressos: a venda segue acontecendo neste link informado pela organização.

Esta será a segunda edição do festival com o nome Bangers Open Air; as duas edições anteriores foram realizadas sob a marca Summer Breeze Brasil.

BANGERS OPEN AIR 2026: CARTAZ OFICIAL É DIVULGADO

A organização do Bangers Open Air divulgou o cartaz oficial da edição que acontece nos dias 25 e 26 de abril, no Memorial da América Latina, em São Paulo. 

A nova arte confirma as bandas ARCH ENEMY, KRISIUN e AMBUSH no line-up, substituindo TWISTED SISTER, ELUVEITIE e COBRA SPELL.

Segundo a organização do evento, o cronograma com os horários das apresentações deverá ser divulgado ainda nesta semana. Inicialmente anunciado como um dos headliners, o TWISTED SISTER se reuniria para celebrar 50 anos de carreira, mas a apresentação — assim como outros compromissos futuros — foi cancelada em razão de problemas de saúde enfrentados pelo vocalista Dee Snider. 

Entre os destaques da edição de 2026 está o ANGRA, que prepara um show especial para o festival, conforme detalhado em nota oficial.

Ainda não garantiu seu ingresso? CLICA AQUI.

Gene Hoglan sobre Chuck Schuldiner: "Ele não era muito fã de pessoas ou da indústria musical"

Na série "Minhas 3 Perguntas Para" de Jonathan Montenegro, o baterista Gene Hoglan (TESTAMENT , DARK ANGEL, DETHKLOK, STRAPPING YOUNG LAD ) compartilhou suas experiências de sua época na lendária banda de metal DEATH, da qual fez parte de 1993 a 1995.

Ele também falou sobre Chuck Schuldiner, o mentor do DEATH , e disse: “ Chuck  era, no fundo, uma pessoa muito… Ele era uma pessoa muito pacífica. Amava animais. Amava jardinagem. Não era muito fã de pessoas ou da indústria musical, mas gostava dos seus amigos; gostava dos seus animais. Esse era  o Chuck. ”

“Além de ser um dos padrinhos do death metal, ele também era um ótimo cozinheiro. Pronto. Ele cozinhava muito bem. Nossa, ele preparou um monte de coisas incríveis para nós durante aqueles anos que passamos juntos. Isso foi muito legal. Seu legado sempre viverá.”

“Eu e [os ex  -membros do DEATH]  Bobby Koelble  e  Steve DiGiorgio , temos [a banda tributo]  DEATH TO ALL  , e começamos uma  turnê com o DEATH TO ALL  na semana que vem aqui nos Estados Unidos. Então, é isso. E é sempre muito divertido tocar  as músicas do Chuck e fazer com que soem legais.”

Em uma conversa de 2019 com Andrew McKaysmith do podcast “Scars And Guitars” , Hoglan discutiu seu período trabalhando com o DEATH . Ele disse na época: “ Chuck  era muito mente aberta e gostava que seus músicos que tocavam com ele simplesmente buscassem o melhor que pudessem fazer. Toda vez que eu criava uma batida maluca, ele dizia: 'Estou bem. Posso tocar meus riffs em cima das suas batidas, então se é isso que você quer, vá em frente. Solte a imaginação; mande ver. Estou bem aqui, então continue fazendo o seu som.' Nesse sentido,  trabalhar com Chuck  sempre foi um verdadeiro prazer. Não havia nenhuma restrição — e era bem óbvio que ninguém me limitava na bateria.”

“Eu toquei tudo em  Symbolic . Definitivamente há alguns exageros, [mas] ele nunca disse: 'Ei, não toque isso' ou 'Isso não está funcionando'. As únicas vezes que me lembro de algo assim ter acontecido foram duas ocasiões diferentes. Uma foi nas  sessões de Individual Thought Patterns  , e foi quando [o produtor]  Scott Burns , enquanto eu gravava  'Jealousy' , me lembro de  Scott  dizendo: 'Ei, cara. Não estou curtindo essa batida. Talvez você possa simplificá-la?' Eu respondi: 'Claro, sem problema'.”

"Aí, em  'Symbolic' , o [produtor]  Jim Morris  praticamente disse a mesma coisa — tipo, 'Não tenho certeza sobre essa'. O engraçado é que, na batida em que o  Jim Morris  disse 'Isso não vai acontecer', era uma batida que eu roubei do  Sean Reinert . Era algo do álbum  Human … quanto ao  Chuck , ele sempre foi muito gentil, tipo, 'É, cara. Faz o que você sabe fazer. Vai ficar ótimo.'"

“Chuck  era um cara bem complexo. Em alguns dias, certas coisas o afetavam de maneiras que talvez não afetassem você ou eu…  Chuck  não tinha muita confiança na indústria da música. Eu entendo isso — eu compreendo totalmente… Ele geralmente era muito legal de se trabalhar, e nos divertimos bastante até ele precisar tomar as decisões necessárias para manter a sanidade. Quando ele teve que deixar  o DEATH  de lado depois do  álbum Symbolic  , ele dissolveu  o DEATH  e precisou seguir em frente. A melhor maneira para  Chuck  seguir em frente foi com o lançamento de  CONTROL DENIED.”

O podcast foi ao ar em 2023, e você pode conferir no video abaixo.