HATEMATTER: metal sem complexo de vira-lata

 Por Júlio Feriato

Olha, honestamente, eu ainda não consigo entender por que algumas bandas brasileiras simplesmente não conseguem furar a bolha e atingir um público maior. E não estou falando de banda ruim tentando parecer grande. Estou falando de nomes com qualidade, identidade, disco lançado, estrada e personalidade. Posso citar Shadowside, Headhunter D.C., Mindflow, Painside e tantos outros exemplos que acabaram ficando restritos demais ao underground, mesmo tendo material para chegar muito mais longe.

Mas o caso da HATEMATTER me chama atenção de um jeito especial. Até hoje, eu não lembro de ter ouvido uma banda brasileira soar exatamente como eles. E isso é mérito, sim. Mérito de composição, de conceito, de produção e, principalmente, de não soar como uma cópia barata de banda gringa.

Formada em 2007, em São Paulo, a HATEMATTER já tem quatro álbuns completos lançados: Doctrines, Foundation, Metaphor e Antithesis. Isso mesmo: quatro álbuns. E aí vem a pergunta incômoda: você já tinha ouvido falar deles antes? Alguns vão dizer que sim, claro. Mas tenho certeza de que muita gente, inclusive dentro do metal nacional, ainda responderia “não”. E isso, convenhamos, é quase um pecado mortal.

O vocalista Luiz Artur.

O som da banda pode ser colocado dentro de um death metal moderno, com bastante influência do melodic death metal sueco, especialmente daquela fase em que o IN FLAMES ainda tinha riffs cortantes, melodias marcantes e peso de verdade. Também dá para perceber algo de Soilwork, mas parar por aí é importante. Porque a HATEMATTER não é uma banda brasileira tentando imitar o som de Gotemburgo. Ela usa esse tipo de influência como ponto de partida, mas constrói uma identidade própria em cima disso. E parte dessa identidade passa pelos vocais de Luiz Artur, ex-THIS GRACE FOUND, dono de um timbre que se encaixou perfeitamente com a proposta do grupo.

Talvez o termo mais justo seja melodic groove/death metal. Há melodia, há peso, há técnica, há refrões e passagens bem trabalhadas, mas também existe uma pegada moderna, encorpada, com riffs que não ficam presos apenas à velocidade ou à brutalidade. A banda sabe criar atmosfera sem perder agressividade. E isso é algo que muita banda tenta fazer, mas poucas conseguem sem soar genéricas.

"Doctrines" (2012).

Desde o início, a HATEMATTER pareceu interessada em algo além do simples “vamos fazer um som pesado”. A demo Meagering in Vain já representava uma fase de experimentação, mas foi com Doctrines, lançado em 2012, que a banda começou a mostrar melhor sua proposta. Ali já estavam presentes algumas marcas que acompanhariam o grupo: guitarras trabalhadas, melodias sombrias, vocais agressivos e uma preocupação com conceito.

"Foundation" (2015).

Em Foundation, lançado em 2015, a banda deu um passo ainda mais interessante. O disco se inspirou no universo de Fundação, de Isaac Asimov, e mostrou que o metal da HATEMATTER não queria apenas soar bem: queria contar histórias. E isso faz diferença. O uso de ficção científica, literatura e narrativas distópicas não aparece como enfeite nerd jogado por cima das músicas. Ele interfere no clima, na construção das faixas e na forma como a banda encara o próprio som.

É aí que a HATEMATTER começa a se afastar ainda mais da comparação fácil com bandas estrangeiras. Porque uma coisa é ter influência de melodic death metal; outra é transformar esse tipo de sonoridade em trilha para temas como imperialismo, decadência social, negação da ciência, política, poder e colapso. A banda consegue usar a ficção científica como espelho da realidade, e não apenas como paisagem futurista bonitinha.

"Metaphor" (2018).

Depois veio Metaphor, em 2018, outro disco importante nessa caminhada. Aqui, o lado cinematográfico ficou ainda mais evidente. Referências a obras como Blade Runner, Mad Max: Estrada da Fúria, A Chegada e até Black Mirror ajudaram a moldar um álbum mais amplo, mais sensorial e mais conectado com questões humanas. A HATEMATTER fala de futuro, tecnologia, ruína e distopia, mas, no fundo, está falando da gente. Das nossas falhas, dos nossos medos, das nossas contradições.

E isso me agrada muito na banda: ela não trata o ouvinte como alguém que só quer bater cabeça. Claro que dá para ouvir HATEMATTER só pelo peso, pelos riffs e pela energia. Funciona muito bem assim. Mas quem quiser cavar um pouco mais encontra camadas. Há conceito, há literatura, há cinema, há comentário social. Não é aquele metal “cabeçudo” no mau sentido, que fica mais preocupado em parecer inteligente do que em ter música boa. É o contrário: as ideias servem às músicas, e não o contrário.

A trajetória da banda, porém, também teve momentos duros. Em 2020, a HATEMATTER perdeu Gustavo Polidori, guitarrista, amigo e um dos fundadores do grupo. A perda veio praticamente colada ao período da pandemia, o que colocou a própria continuidade da banda em dúvida. O single With Mankind Beneath My Feet acabou funcionando como homenagem a Gustavo, mas também como um retrato de um período de dor, luto e reconstrução.

"Antithesis" (2023).

Esse peso emocional desemboca em Antithesis, lançado em 2023. E o título não poderia ser mais adequado. O álbum trabalha justamente com opostos: raiva e esperança, perda e reconstrução, tecnologia e natureza, desespero e aceitação. É um disco nascido de um período sombrio, mas que não se limita a afundar na própria tristeza. Ele transforma dor em som, e isso dá ao álbum uma força especial.

Musicalmente, Antithesis talvez seja o trabalho mais completo da banda. O peso está lá, a melodia também, mas tudo soa mais maduro. Os sintetizadores e as orquestrações entram sem transformar a banda em algo artificial. As guitarras continuam sendo o coração do som, mas agora há uma camada extra de atmosfera que combina muito com essa proposta sci-fi e distópica. A participação de Mayara Puertas, do Torture Squad, em “Liberate Me”, também acrescenta ainda mais força ao disco.

Foto: Leonardo Benaci.

Outro ponto importante é que a entrada de Thiago Ribeiro na guitarra rítmica e nos vocais de apoio ampliou as possibilidades da banda. Ele já colaborava nas letras desde Foundation, então sua presença não soa como uma mudança brusca, mas como uma expansão natural do que a HATEMATTER já vinha construindo. Rafael Augusto Lopes (ex-Torture Squad), com sintetizadores, orquestrações e produção, também ajudou a reforçar essa identidade mais cinematográfica.

E talvez aí esteja a grande injustiça: a HATEMATTER tem tudo aquilo que muita gente cobra de uma banda nacional. Tem som bem produzido, tem conceito, tem identidade visual, tem bons músicos, tem discografia, tem letras com conteúdo e tem personalidade. Mas ainda assim continua sendo um nome que muita gente desconhece.

Isso diz muito sobre como o metal brasileiro ainda trata suas próprias bandas. Existe uma tendência irritante de valorizar qualquer banda mediana de fora enquanto nomes daqui precisam fazer o triplo para receber metade da atenção. Se Antithesis tivesse sido lançado por uma banda sueca, americana ou alemã, provavelmente muita gente estaria chamando de “descoberta do ano”. Mas como é uma banda brasileira, passa batido por parte do público que diz apoiar a cena.

A HATEMATTER não precisa ser vendida como “promessa”, porque promessa é algo que ainda vai acontecer. Eles já aconteceram. Já têm história, já têm discos, já têm conceito e já têm uma sonoridade própria. O que falta é mais gente prestar atenção.

No fim das contas, a HATEMATTER é uma daquelas bandas que mostram que o underground brasileiro não sofre por falta de qualidade. Sofre por falta de escuta, divulgação e curiosidade do próprio público. Porque talento, nesse caso, tem de sobra.

E se você gosta de death metal moderno, melodic death metal, groove, ficção científica, distopias, riffs bem construídos e discos que não tratam o ouvinte como idiota, faça um favor a si mesmo: ouça a HATEMATTER. Não como “banda nacional que merece apoio por ser nacional”, mas como uma banda de metal realmente boa.

Porque, sinceramente, já passou da hora de mais gente descobrir isso.

  

OUBLIETTE e a beleza sombria do álbum "Eternity Whispers"

Por Júlio Feriato

Apesar de estar na ativa há mais de uma década, a OUBLIETTE ainda é uma banda relativamente obscura. Não é um daqueles nomes sempre lembrados quando se fala em black metal americano, e talvez seja justamente isso que a torne uma banda tão especial.

Formada em 2011, em Murfreesboro, no Tennessee, a OUBLIETTE nasceu como um projeto de Mike Low e Emily Low, inicialmente com a ideia de gravar algumas músicas que misturassem black metal, folk e melodias sombrias. Mas o que começou quase como algo caseiro foi tomando forma até se tornar uma banda completa.

O primeiro resultado foi o álbum Apparitions, lançado em 2014, apresentando uma sonoridade ainda em construção, mas já marcada por atmosferas melancólicas, vocais extremos e guitarras melódicas. Em 2018 veio The Passage, disco que consolidou melhor a identidade do grupo dentro do black metal melódico. Depois de seis anos sem um álbum completo, a banda retornou em 2024 com Eternity Whispers, seu terceiro full-length, lançado pela The Artisan Era.

Já nas primeiras audições, dá para entender que o disco não soa como uma tentativa desesperada de chamar atenção. Ele simplesmente se impõe pela qualidade das composições, pela riqueza das guitarras e pela forma como equilibra agressividade, melodia e introspecção. Talvez seja por isso que o impacto de Eternity Whispers seja tão forte.

O disco abre com “Primordial Echo”, faixa que apresenta bem a proposta do grupo. Há uma atmosfera sombria, quase contemplativa, mas logo a música ganha corpo com blast beats, guitarras em camadas e vocais rasgados. O black metal está ali, sem dúvida, mas não de uma forma engessada. A OUBLIETTE trabalha com o peso e a velocidade do estilo, mas deixa espaço para melodias que parecem carregar uma tristeza silenciosa. Não é apenas pancadaria; existe sentimento por trás da violência sonora.

Essa característica fica ainda mais clara em faixas como “With Death’s Shadow” e “Consumed By The Void”. A banda consegue soar agressiva sem abrir mão de um senso melódico muito forte. Os riffs têm aquela urgência do black metal tradicional, mas também carregam um traço introspectivo, quase dolorido. É música extrema, mas com uma profundidade emocional que faz diferença. O disco bate forte, mas não é frio. 

Um dos grandes méritos de Eternity Whispers é ser um álbum pesado e, ainda assim, gostoso de ouvir. Não no sentido fácil ou comercial, mas porque as músicas têm fluidez. As melodias entram, voltam, se transformam, desaparecem por alguns segundos e retornam em outro contexto. É o tipo de disco que combina muito com dias chuvosos, com aquele momento em que você quer se desligar do barulho do mundo e apenas acompanhar cada linha de guitarra. Dá para ouvir de olhos fechados, deixando as camadas se revelarem aos poucos.

Também há algo de muito visual na música da OUBLIETTE. “Dreams of Nevermore”, por exemplo, tem uma melancolia que parece crescer por dentro da faixa. Não é uma tristeza teatral ou forçada, mas uma sensação de distância, perda e recolhimento. Já “Ember’s Embrace”, com participação de violino, amplia essa atmosfera sem parecer um detalhe decorativo. O violino entra como parte natural do clima do álbum, reforçando esse lado mais sensível da banda sem suavizar demais a proposta.

O encerramento com “Vanish” funciona como uma síntese do álbum. A faixa tem velocidade, peso e intensidade, mas também uma sensação de despedida, como se a música fosse se desfazendo no próprio ar. É um final coerente para um disco que fala menos pela brutalidade isolada e mais pela forma como transforma essa brutalidade em atmosfera. A OUBLIETTE entende que o black metal pode ser agressivo sem ser unidimensional. Pode ser cortante, mas também emotivo. Pode esmagar, mas também envolver.

Um dos pontos mais interessantes da banda é a presença de três guitarristas: Mike Low, Andrew Wampler e Chris Austin. Isso não é comum no black metal, um estilo que normalmente funciona com uma ou duas guitarras. No caso da OUBLIETTE, porém, essa formação não parece exagero nem exibicionismo. Pelo contrário: as três guitarras são usadas para criar camadas, harmonias e linhas melódicas que se cruzam o tempo todo. Enquanto uma guitarra sustenta a base mais ríspida e tradicional do gênero, outra abre melodias mais emotivas, e uma terceira reforça texturas, pequenos detalhes ou passagens mais atmosféricas. É uma arquitetura sonora que ajuda a explicar por que Eternity Whispers soa tão cheio, mesmo sem perder força.

Também há uma bagagem interessante entre os integrantes. Mike Low tem ligação com bandas como INFERI e ENFOLD DARKNESS, nomes importantes dentro do death/black metal técnico e melódico americano. Andrew Wampler aparece associado a projetos como OPHIUCHUS, além de passagens por nomes do underground extremo. Spencer Moore, baterista do disco, também carrega um currículo forte, com conexões envolvendo ARCHSPIRE, ÆTHER REALM e INFERI. Cole Gerdeman vem do WHILE YOU WERE ASLEEP, enquanto Chris Austin teve passagem pelo MORTIUS. Essa experiência aparece no álbum: a OUBLIETTE não soa como um projeto de músicos tentando encontrar um caminho, mas como uma banda que sabe exatamente onde quer chegar.

O disco ainda conta com participações que ajudam a enriquecer sua textura. Ben Karas, conhecido por seu trabalho no THANK YOU SCIENTIST e no WINDFAERER, toca violino em “Ember’s Embrace”. Dave Palenske, do VOLCANDRA, participa nos vocais de “Consumed By The Void”, enquanto Stevie Boiser, do INFERI, aparece em “Dreams of Nevermore”. São participações pontuais, mas bem encaixadas, que reforçam a conexão da OUBLIETTE com uma cena extrema mais técnica, melódica e sofisticada.

Eternity Whispers é um disco que merece ser ouvido com calma. Não é só mais um lançamento de black metal melódico perdido no catálogo de uma gravadora. É um trabalho de composição cuidadosa, com riffs fortes, melodias marcantes e uma sensibilidade que torna a experiência muito mais profunda. 

A OUBLIETTE continua sendo uma banda pouco conhecida, mas talvez isso combine com a própria música: um som que parece vir de um lugar escondido, chuvoso, distante, feito para quem ainda gosta de se perder dentro de um álbum inteiro. E isso já é um mérito e tanto.

TAHLILAN: black metal indonésio que faz a Noruega parecer brincadeira de criança

Por Júlio Feriato

Quando se fala em black metal, a cabeça de muita gente ainda vai automaticamente para a Noruega dos anos 90: corpse paint, igrejas queimadas, frio, floresta, anticristianismo e toda aquela aura de escândalo que virou mitologia dentro do metal extremo. Só que, de vez em quando, aparece uma banda que lembra uma coisa simples: o terror não precisa vir da Escandinávia. Ele pode sair de Tangerang, em Banten (província da Indonésia, na ilha de Java), envolto em mortalha, cheiro de incenso, túmulo no palco e uma atmosfera que parece menos show de metal e mais cerimônia fúnebre invocada no meio da madrugada.

Essa banda atende pelo nome de TAHLILAN.

Formado em 2008, o grupo indonésio se move dentro do black metal, mas seria pobre demais resumir sua proposta a isso. O TAHLILAN parece mais interessado em transformar o palco num ritual do que simplesmente tocar música extrema. E não é um ritual neutro: há ali uma combinação de funeral, folclore, misticismo e satanismo. A própria identidade da banda já carrega um peso simbólico enorme: “tahlilan” remete a uma prática religiosa e comunitária muito presente na Indonésia, ligada a orações coletivas, lembrança dos mortos e rituais realizados após o falecimento de alguém. Ou seja, enquanto muita banda ocidental brinca de profanar símbolos religiosos alheios, o TAHLILAN parte de um imaginário fúnebre real, próximo, culturalmente reconhecível — e o contamina com o vocabulário sombrio do black metal.

É aí que a coisa fica interessante.

A Indonésia é o país com a maior população muçulmana do mundo. Não estamos falando de uma banda surgida em um cenário europeu mais secularizado, onde chocar a igreja já virou quase uma estética vintage. Estamos falando de um país em que religião, tradição, comunidade e cotidiano caminham de forma muito mais próxima. Nesse contexto, uma banda de black metal que sobe ao palco com visual de pocong (figura fantasmagórica do folclore indonésio, geralmente representada como um cadáver envolto em mortalha branca) não está apenas copiando clichê de corpse paint. Está mexendo com imagens locais, com símbolos de morte, com medo popular, com memória religiosa e com a fronteira desconfortável entre o ritual, o espetáculo e a blasfêmia.

E convenhamos: perto disso, muito black metal norueguês começa a parecer teatro infantil de inverno.

Claro, a frase é provocação. A importância histórica da cena norueguesa é indiscutível. Sem ela, provavelmente boa parte do black metal moderno nem existiria do jeito que conhecemos. Mas há algo no TAHLILAN que soa mais visceral justamente por não parecer uma encenação importada. Quando o vocalista aparece sendo carregado até o palco como um cadáver preparado para o enterro, coberto por kain kafan (tecido branco usado como mortalha em rituais funerários islâmicos), com maquiagem ensanguentada, enquanto os outros músicos surgem em robes vermelhos e rostos pálidos, a sensação não é a de uma banda querendo apenas “parecer malvada”. A sensação é a de que alguém abriu uma porta que talvez devesse permanecer fechada.

E aí entra outro elemento fundamental: o satanismo.

O vocalista do TAHLILAN costuma abrir apresentações gritando “Sataaan” ou “setan” (“demônio”, “diabo” ou “satã”, em indonésio). Isso impede qualquer tentativa de suavizar demais a proposta da banda como se fosse apenas folclore, apenas teatralidade ou apenas resgate cultural. Há, sim, uma camada satânica evidente na comunicação e na performance do grupo. A diferença é que esse satanismo não aparece de forma genérica, como mera cópia do manual escandinavo. Ele surge misturado ao imaginário funerário local, ao pocong, ao tahlilan, ao kain kafan, ao incenso, ao medo da morte e aos símbolos de uma sociedade majoritariamente muçulmana.

É justamente essa mistura que torna o TAHLILAN tão perturbador.

No Ocidente, o black metal muitas vezes nasceu da oposição direta ao cristianismo. Na Indonésia, uma banda como o TAHLILAN opera em outro território simbólico. A tensão não vem apenas da blasfêmia contra uma religião dominante, mas do atrito entre satanismo, tradição islâmica, folclore, medo popular, ritos de morte e música extrema. Isso torna a banda muito mais intrigante do que boa parte dos grupos que apenas repetem fórmulas escandinavas com tremolo picking (técnica de tocar notas muito rapidamente, bastante comum no black metal), foto na floresta, logo ilegível e pose de maldade congelada.

O mais impressionante é que a banda não se contenta com a estética básica do metal extremo. Eles levam para o palco incenso, objetos fúnebres e elementos que remetem diretamente ao universo dos ritos mortuários. Há relatos de uso de mortalha envelhecida, de pedra tumular real e de uma encenação que aproxima o show de uma cerimônia macabra. Isso não é simplesmente “visual pesado”. Isso é dramaturgia de horror local aplicada ao black metal. É como se o TAHLILAN tivesse entendido que o verdadeiro medo não está no símbolo genérico do demônio desenhado numa capa, mas naquilo que o público reconhece como parte de sua própria cultura.

Musicalmente, o grupo trabalha dentro do black metal místico e teatral, com uma atmosfera soturna, arrastada e carregada de espiritualidade sombria. O disco/EP Perjalanan Menuju Tuhan (“Jornada rumo a Deus”, em tradução livre) já entrega no título um paradoxo poderoso. Não é um nome satanista óbvio. Não é provocação barata do tipo “morte a tudo”. É uma frase religiosa, quase devocional, colocada dentro de uma embalagem extrema. As faixas, com títulos como “Dosa Bertahta Dalam Jiwaku” (“O pecado entronizado em minha alma”, em tradução aproximada), “Ritual Penghantar Doa” (“Ritual de condução da oração”), “Menembus Dinding Kematian” (“Atravessando a parede da morte”) e “Kusambut Kematianmu” (“Eu recebo a sua morte”), reforçam essa obsessão por pecado, oração, morte, passagem e transcendência.

E talvez esteja aí o grande diferencial do TAHLILAN : eles não parecem interessados apenas em negar a religião de modo adolescente, nem em fazer satanismo de cartilha escandinava. O que a banda faz é mais estranho e, justamente por isso, mais perturbador. Eles pegam símbolos associados à morte, à oração, ao luto e à tradição, e os atravessam com uma estética satânica, teatral e extrema.

O TAHLILAN tem algo que muita banda de black metal perdeu: perigo cênico.

Não necessariamente perigo real, mas aquela sensação de que o palco pode sair do controle, de que o show não é só entretenimento, de que existe alguma coisa errada acontecendo ali. O vocalista vestido como pocong não é apenas um personagem. É uma imagem de morte reconhecível para o público local. O incenso não é apenas fumaça para criar clima. A pedra tumular não é apenas cenário. O grito de “Sataaan” não é apenas bordão. Tudo aquilo constrói um ambiente em que o metal extremo se mistura a funeral, transe, superstição, provocação religiosa e teatro ritualístico.

É o tipo de banda que mostra como o black metal fica muito mais interessante quando para de tentar imitar a Noruega e começa a dialogar com seus próprios fantasmas.

E os fantasmas da Indonésia, pelo visto, são bem mais assustadores.

No fim das contas, o TAHLILAN não chama atenção apenas por ser uma banda de black metal em um país muçulmano. Isso, por si só, já renderia curiosidade. Mas o que faz a banda ser realmente fascinante é o modo como ela transforma esse contexto em linguagem. Eles não pegam o black metal europeu e apenas colam por cima uma maquiagem local. Eles fazem o contrário: pegam o medo local, o rito local, o imaginário funerário local, o satanismo e a tensão religiosa, e jogam tudo dentro do black metal.

O resultado é uma banda que parece saída de um velório profanado, de uma reza interrompida, de uma noite em que a fronteira entre os vivos e os mortos ficou fina demais.

Enquanto muita gente ainda está presa ao velho manual do black metal escandinavo, o TAHLILAN aparece como um lembrete brutal: o extremo não tem passaporte, não fala apenas norueguês e não precisa de neve para ser sombrio. Às vezes, basta uma mortalha, um microfone, um grito de “Sataaan” e um palco tomado por incenso.

O dia em que ANDRE MATOS disse que “o ANGRA deveria acabar”

Por Júlio Feriato
Fotos: Irisbel Mello

Algumas entrevistas ficam marcadas por uma frase. Outras, pelo contexto em que aquela frase surgiu. A conversa com Andre Matos no Heavy Nation, em março de 2013, acabou ficando nas duas categorias.

Naquele dia, eu estava ao lado de Fernanda Lira — hoje conhecida mundialmente por seu trabalho na CRYPTA — e de Mauricio Dehò, que na época também era repórter do UOL Esportes. A pauta era, em princípio, bastante natural para uma entrevista com um artista do tamanho de Andre: carreira solo, turnê, lembranças do VIPER, a importância do ANGRA, a trajetória no SHAMAN e os caminhos que ele ainda pretendia seguir.

Mas havia uma pergunta que eu queria fazer por curiosidade minha mesmo. Não era uma pergunta pensada para causar polêmica, nem para arrancar manchete. Eu sempre fui mais fã da fase do ANGRA com Andre Matos. Para mim, aquela formação tinha algo muito especial, uma combinação rara de técnica, identidade e emoção. Então, quando o assunto chegou à saída de Edu Falaschi e à possibilidade de um novo vocalista para a banda, quis saber quem Andre imaginava que poderia estar à altura de ocupar aquele posto.

A pergunta era simples: quem, na visão dele, teria condições de cantar no ANGRA?

A resposta foi completamente inesperada.

Andre não citou nomes, não fez média e não entrou naquele jogo diplomático de apontar possíveis substitutos. Com a calma e a firmeza que eram muito características dele, disse que, para ele, "o ANGRA deveria acabar".

Na hora, a surpresa foi geral. Não me lembro de um clima pesado, no sentido de constrangimento ou agressividade. Andre não falou aquilo de forma explosiva. Pelo contrário: respondeu de maneira articulada, como alguém que já tinha uma opinião muito bem formada sobre o assunto. Mas era impossível não perceber o peso da declaração.

Lembro claramente de eu e Mauricio Dehò nos entreolharmos. Foi uma troca rápida, quase instintiva, daquelas que dispensam explicação. Tenho certeza de que nós dois pensamos a mesma coisa naquele momento: “essa será a chamada do programa”.

E foi mesmo.

A questão é que aquele tipo de chamada também vinha de um contexto de pressão. O Heavy Nation era um programa de metal dentro de uma estrutura grande como a Rádio UOL, e havia uma cobrança constante por audiência. A diretoria queria que o programa sempre trouxesse alguma pauta chamativa, algo que gerasse acesso, repercussão, comentário. Pessoalmente, essa pressão me incomodava bastante.

Eu tinha noção de que o Heavy Nation, naquele período, era um dos programas de metal mais acessados do país — talvez o mais acessado dentro daquele formato. Mas, para o UOL, isso ainda parecia pouco. A comparação vinha com programas de gêneros muito mais populares, como sertanejo e música romântica. E aí não havia como competir. O público do metal é fiel, intenso, participativo, mas é um nicho. Comparar esse alcance com gêneros de massa era, no mínimo, injusto.

Por isso, aquela resposta de Andre Matos colocou a entrevista em um lugar curioso. Ao mesmo tempo em que a pergunta não tinha sido feita para provocar polêmica, a resposta entregou exatamente o tipo de repercussão que a direção esperava do programa. Era o dilema do jornalismo musical naquele ambiente: a gente queria fazer um programa sério, com conteúdo, memória e respeito pela cena, mas também precisava lidar com a lógica de audiência de uma grande plataforma.

E Andre, claro, era Andre.

Ele não era um entrevistado qualquer. Tinha elegância, cultura, vocabulário, senso crítico e uma postura muito própria diante da própria história. Podia ser cordial, mas não era evasivo. Quando queria dizer algo, dizia. E, naquele dia, disse algo que pegou todos de surpresa.

O mais importante, olhando em retrospecto, é entender que aquela declaração não soou como uma provocação gratuita. Andre falava a partir de uma relação profunda e complexa com o ANGRA. Ele não era um comentarista externo opinando sobre uma banda qualquer. Era um dos nomes centrais da construção daquela história. Alguém que ajudou a dar identidade, voz e grandeza a um dos capítulos mais importantes do metal brasileiro.

Por isso, quando ele dizia que a banda deveria acabar, havia ali uma mistura de análise, desencanto e talvez até uma visão muito particular sobre encerramento de ciclos. Para muitos fãs, o ANGRA ainda precisava continuar. Para Andre, naquele momento, a continuidade parecia ter perdido o sentido artístico.

A entrevista seguiu por outros caminhos, mas era evidente que aquela frase ficaria. E ficou. Foi recortada, comentada, debatida e lembrada por anos. Muita gente concordou, muita gente discordou, e muita gente talvez nem tenha entendido o contexto em que tudo aconteceu.

Mas eu me lembro bem: não foi uma pergunta feita para criar confusão. Foi uma curiosidade honesta de alguém que admirava profundamente aquela fase do ANGRA e queria saber quem o próprio Andre Matos via como alguém capaz de ocupar um lugar tão simbólico.

A resposta, no entanto, foi muito maior do que a pergunta.

Fernanda Lira, Andre Matos, Júlio Feriato e Mauricio Dehò.

E talvez seja por isso que aquela entrevista continue sendo lembrada. Porque, em poucos segundos, ela revelou não apenas uma opinião forte sobre o futuro de uma banda, mas também algo muito característico de Andre Matos: a recusa em responder apenas o que esperavam dele.

Andre podia ser elegante, educado e articulado. Mas, quando queria ser direto, era direto.

Naquela entrevista, ele foi.

Obs: Existe ainda um detalhe curioso sobre essa entrevista: além do áudio do programa, há no YouTube um registro em vídeo daquele encontro, filmado por Anderson Bellini, que anos depois, se tornaria o diretor do documentário Andre Matos – Maestro do Rock, dedicado à trajetória do cantor. 

Visto em retrospecto, esse detalhe dá ao vídeo um peso ainda maior: não era apenas a gravação de uma conversa marcante, mas um fragmento de memória capturado por alguém que, mais tarde, ajudaria a organizar parte do legado audiovisual de Andre Matos.

HEADHUNTER DC: O inferno não chega. Ele já chegou. E vem da Bahia.

Por Krampus

Existe algo profundamente admirável em bandas que se recusam a morrer. Não apenas sobreviver, mas permanecer fiéis a si mesmas enquanto o mundo muda ao redor. Modismos vêm e vão. Tendências surgem e desaparecem. Plataformas digitais transformam música em algoritmo. Gravadoras enterram carreiras. A indústria exige juventude eterna e obediência comercial.

Algumas bandas simplesmente continuam marchando. O HEADHUNTER D.C. é uma delas.

Headhunter D.C. nos primórdios.

Formado em Salvador, em maio de 1987, quando o Brasil ainda saía lentamente da ditadura militar e o metal extremo nacional engatinhava fora dos grandes centros do Sudeste, o grupo ajudou a construir uma identidade própria para o Death Metal brasileiro. Não como seguidor, mas como pioneiro.

Desde os tempos de Paulo Lisboa, passando pelos clássicos lançados pela lendária Cogumelo Records — Born... Suffer... Die (1991) e Punishment at Dawn (1993) — até os trabalhos posteriores, a banda atravessou mudanças de formação, dificuldades financeiras, escassez de infraestrutura, hiatos discográficos e todos os obstáculos possíveis que costumam esmagar grupos underground muito antes de completarem dez anos de existência.

O HEADHUNTER D.C. atravessou tudo isso durante quase quatro décadas.

E talvez seja justamente por isso que Rise of the Damned... soe tão autêntico. Porque não há nada aqui tentando agradar algoritmos. Não há refrões para TikTok. Não há produção esterilizada. Não há pose.

Há apenas Death Metal. Death Metal em sua forma mais pura, mais fanática e mais apaixonada.

O próprio título já entrega a intenção. Lançado em 06/06/2026, carregando um simbólico 6/6/(2)6, o álbum funciona como uma declaração de guerra contra a mediocridade moderna. É uma celebração da persistência do underground e também um manifesto de fé absoluta na música extrema.

Formação do novo disco: hèracles Cardoso (baixo), Sérgio "Baloff" (vocal) e Danilo Coimbra. 

E essa devoção aparece logo na abertura. “40 Years’ Deathmarch” não é apenas uma introdução. É um monumento. Uma saudação aos quarenta anos de luta do Death Metal mundial. Dali em diante, o disco dispara uma sequência de ataques que jamais perde o foco.

“Unblessed by the Unsacred” e “No Salvation from Above” deixam claro que a banda continua adorando o altar erguido por POSSESSED, SLAYER, KREATOR, SEPULTURA e DEATH dos primeiros tempos. Há uma agressividade thrash pulsando por baixo das estruturas, mas o coração é absolutamente death metal.

“Burn the Book of Lies” é particularmente interessante porque sintetiza um dos temas centrais do álbum: a recusa em aceitar verdades impostas de cima para baixo. Não importa se a autoridade veste batina, terno executivo ou uniforme militar. O disco inteiro respira desconfiança diante de instituições que prometem salvação enquanto administram sofrimento.

É impossível não perceber a atualidade dessa mensagem. Ao longo da história, os trabalhadores sempre foram convidados a acreditar que sua redenção viria do céu, do mercado ou dos governantes. Enquanto isso, a riqueza produzida coletivamente continuou sendo apropriada por poucos. O Death Metal sempre foi, consciente ou inconscientemente, uma arte de denúncia contra estruturas decadentes. E o HEADHUNTER D.C. entende isso como poucos.

“Gospel of Doom” e “The Dysangelist” aprofundam essa atmosfera de blasfêmia e questionamento. O próprio termo dysangelist funciona como uma inversão do evangelista tradicional: não aquele que promete paraísos futuros, mas aquele que revela a podridão escondida sob as promessas.

Musicalmente, é onde o IMMOLATION talvez apareça com mais força. As harmonias dissonantes, os riffs retorcidos e a sensação constante de instabilidade lembram os mestres nova-iorquinos, mas sem jamais soar como mera cópia.

A essa altura, Danilo Coimbra já se impõe como um dos grandes responsáveis pela identidade moderna da banda. Seu trabalho de guitarra é impressionante porque combina brutalidade e inteligência. Os riffs não servem apenas para esmagar. Eles contam histórias. Criam tensão. Conduzem o ouvinte por cenários apocalípticos que parecem pinturas sonoras da própria capa do álbum.

E então chegamos a “One Thousand Apocalypses”, primeiro single do álbum. A faixa representa perfeitamente o que o HEADHUNTER D.C. faz melhor: transformar caos em arte. É uma avalanche de riffs, mudanças de andamento e violência controlada que poderia facilmente ter figurado em algum clássico da primeira metade dos anos 90.

Depois do instrumental litúrgico “Praeludium ad Ascensionem Haereticorum”, surge a faixa-título.

Arte para o single "One Thousand Apocalypses".

“Rise of the Damned” é o coração do disco não apenas pela força musical, mas pela simbologia. Os condenados do título não são necessariamente os demônios da tradição religiosa. São todos aqueles que a sociedade descarta. Os que nunca receberam privilégios. Os marginalizados. Os excluídos. Os esquecidos.

E é justamente deles que surge a revolta, a resistência e o verdadeiro movimento da história.

O álbum fecha com duas declarações definitivas. “Possessed, Obsessed” é uma celebração da obsessão que mantém o underground vivo. Já “In Death Metal We Trust” dispensa explicações.

Não é apenas uma música. É um lema. Uma profissão de fé sulfúrica. Uma bandeira de ódio.

E quem melhor para carregar essa bandeira do que Sérgio Baloff? Poucos vocalistas representam tão bem a palavra “dedicação”. Integrante do HEADHUNTER D.C. desde 1989, Baloff tornou-se a própria voz da banda. Ao longo de décadas enfrentando todas as dificuldades imagináveis do underground brasileiro, permaneceu firme defendendo uma visão absolutamente intransigente do Death Metal. Seu nome tornou-se sinônimo de resistência. Sua voz continua soando como a de um profeta furioso anunciando o fim dos tempos para uma civilização decadente.

O mais impressionante é que, após quase quarenta anos, o HEADHUNTER D.C. não soa nostálgico. Este novo opus soa necessário.

Rise of the Damned... não tenta reviver o passado. Ele demonstra que o passado ainda está vivo. Num mundo onde tudo se torna produto descartável, o HEADHUNTER D.C. continua defendendo valores cada vez mais raros: convicção, autenticidade, perseverança e lealdade ao underground.

Este não é apenas um novo álbum, mas a prova de que algumas chamas jamais se apagam.

Enquanto houver exploração, desigualdade, hipocrisia religiosa, alienação e violência institucionalizada, o Death Metal continuará tendo algo a dizer.

E enquanto houver Death Metal verdadeiro, haverá HEADHUNTER D.C.

Nota: 9,5/10

Vini Castellari: peso, verdade e representatividade no metal brasileiro

 Por Júlio Feriato

Ser gay no metal nunca foi exatamente algo simples. Agora imagine ser gay em uma cena que, durante décadas, vendeu uma ideia quase caricata de masculinidade: cara fechada, barba, cabelo comprido, riffs pesados, discurso agressivo e, muitas vezes, um conservadorismo disfarçado de “tradição”. É nesse ambiente que Vini Castellari, guitarrista, compositor e um dos fundadores do PROJECT46, construiu uma trajetória que vai além dos palcos, dos festivais e dos discos.

E não, a importância de Vini não está apenas no fato de ele ser um músico gay dentro do metal brasileiro. Reduzir sua história a isso seria cometer o mesmo erro de quem olha para artistas LGBTQIA+ como se a identidade viesse antes da obra. Vini é, antes de tudo, um guitarrista de uma das bandas mais relevantes do metal moderno nacional. O PROJECT46 não nasceu para fazer música confortável. Desde o começo, a banda apostou em peso, discurso direto e letras que encaram o Brasil sem maquiagem.

Imagem: matéria no G1.

Mas existe um ponto em que arte e vida se encontram. E, no caso de Vini, esse encontro ganhou força quando sua sexualidade deixou de ser apenas um assunto íntimo e passou a ter peso público dentro de uma cena que ainda trata esse tipo de tema como tabu. Em 2015, pouco antes da apresentação do PROJECT46 no ROCK IN RIO, uma entrevista ao G1 deu visibilidade ao fato de Vini ser um homem gay no metal brasileiro. O que poderia ter sido transformado em escândalo por parte do público mais conservador acabou revelando outra coisa: muita gente precisava ouvir aquilo.

A fala de Vini foi importante justamente por quebrar uma imagem pronta. Ele não se encaixava no estereótipo limitado que muitos ainda associam a homens gays. Era cabeludo, barbudo, metaleiro, guitarrista de uma banda pesada. Em outras palavras: era tudo aquilo que parte da cena costuma aceitar como “masculino” — até descobrir que aquele homem também era gay. E talvez aí esteja uma das grandes provocações de sua presença: Vini expôs, sem precisar levantar bandeira no palco a cada show, o quanto o preconceito dentro do metal também nasce de uma visão estreita sobre o que um homem pode ou não ser.

A reação, segundo ele próprio já contou, foi muito mais acolhedora do que a insegurança fazia imaginar. Os fãs mandaram mensagens de apoio, pessoas se identificaram com sua história e os companheiros de banda estiveram ao seu lado. Isso não significa que a cena seja livre de homofobia. Longe disso. Significa apenas que, quando alguém decide existir publicamente sem pedir desculpas, abre uma fresta por onde muita gente também começa a respirar.

O caso de Vini é simbólico porque não vem embalado numa estética pop de aceitação fácil. Estamos falando de metal brasileiro, de guitarra pesada, de rodas de mosh, de público muitas vezes resistente a qualquer conversa que envolva sexualidade, gênero ou diversidade. Por isso sua presença tem força. Ele não precisou abandonar o metal para ser quem é. Não precisou suavizar sua imagem. Não precisou pedir licença. Apenas continuou sendo guitarrista, compositor, metaleiro — e gay.

Banda Project 46.

Com o tempo, sua fala também amadureceu. Vini passou a tratar o tema com mais amplitude, reconhecendo que sua experiência, como a de um homem gay com aparência considerada “heteronormativa”, não é a mesma de pessoas trans, travestis, lésbicas ou gays afeminados, que costumam sofrer violências muito mais diretas. Essa percepção é importante porque tira o debate do campo do ego e coloca a conversa num lugar mais honesto: representatividade não é só falar de si, mas entender que existem outras vivências dentro da própria comunidade.

E a trajetória de Vini ainda ganhou outra camada quando ele passou a falar abertamente sobre saúde mental, dependência química e recuperação. Num gênero que, por muito tempo, romantizou autodestruição como se fosse parte obrigatória da vida de músico, ouvir um artista do metal falar sobre fragilidade, tratamento e reconstrução tem um peso enorme. Vini não surgiu tentando vender uma imagem de herói invencível. Pelo contrário: ao expor suas quedas e seu processo de recuperação, mostrou uma coragem que a pose de “durão” jamais alcança.

Isso também é metal. Talvez mais metal do que muita encenação vazia por aí.

Porque existe peso em assumir quem se é. Existe peso em falar de dependência sem glamour. Existe peso em admitir medo, dor, recaídas, recomeços e aprendizado. Existe peso em usar a própria voz para que outras pessoas entendam que não estão sozinhas. E, nesse sentido, Vini Castellari ampliou o papel que um músico pode ocupar dentro da cena.

O PROJECT46 segue sendo uma banda de riffs, pancada e discurso social. Mas, ao lado disso, Vini se tornou uma figura importante para uma geração que cresceu ouvindo metal e, muitas vezes, não se via representada nele. Sua existência pública ajuda a desmontar a ideia de que música pesada pertence apenas a homens heterossexuais, conservadores e presos a uma masculinidade engessada.

No fim, sua história não é sobre “um guitarrista gay”. É sobre um músico que não aceitou diminuir partes de si para caber numa cena que ainda precisa aprender muito. É sobre alguém que transformou exposição em acolhimento, vulnerabilidade em força e vivência pessoal em ponte para outras pessoas.

Vini Castellari não precisou deixar de ser metaleiro para ser gay. Não precisou deixar de ser gay para ser respeitado como músico. E é justamente aí que sua presença importa: porque, quando a música fala alto e a vida fala junto, o preconceito perde volume.

Quando o BRUJERIA usou a música como arma contra o machismo

Por Júlio Feriato

O BRUJERIA sempre construiu sua identidade em cima da provocação e da brutalidade. Suas letras, personagens e imagens caminham por um território sujo, violento e teatral, onde nada parece feito para soar comportado. Dentro desse universo, “Bruja Encabronada”, lançada como um dos singles do álbum Esto Es Brujeria (2023), chama atenção justamente por usar essa agressividade para transmitir uma mensagem muito clara: a revolta feminina contra abusadores, machistas e todas as estruturas que tentam silenciar mulheres.

A canção também ganha peso extra porque dialoga com a persona de “La Bruja Encabronada”, associada a Jessica Pimentel, atriz e musicista estadunidense de ascendência dominicana (conhecida por interpretar Maria Ruiz no famoso seriado da Netflix Orange Is the New Black), que passou a integrar o universo do BRUJERIA em 2017. 

Jessica Pimentel nos tempos da banda Desolate.

A “bruxa” da música não é apenas uma figura de terror ou ocultismo. Ela representa a mulher que cansou de ser chamada de louca, exagerada, histérica ou perigosa por não aceitar submissão. A palavra “encabronada”, em tradução livre, sugere alguém tomada por uma raiva profunda, e reforça justamente essa ideia: trata-se de uma fúria com motivo. Não é revolta gratuita. É reação.

A música fala de violência, abuso, medo, impunidade e resistência. O BRUJERIA pega uma linguagem típica do metal extremo — agressiva, direta e suja — e a coloca a serviço de uma denúncia social. A brutalidade, aqui, não está contra a mulher. Pelo contrário: ela vem da mulher. É a voz da vítima que se recusa a continuar calada.

E é aí que a faixa se torna especialmente interessante dentro da cena metal. O gênero sempre se orgulhou de ser rebelde, contestador e antissistema. Mas, ao mesmo tempo, parte de seu público ainda reproduz um machismo velho, cansado e contraditório. Muitos metaleiros aceitam tranquilamente letras sobre morte, guerra, demônios, mutilação e destruição, mas se incomodam quando uma música aponta o dedo para o abuso contra mulheres.

Essa contradição não é exclusividade da cena latina. Ela existe no metal mundial. Ainda há quem trate mulheres como intrusas no rolê, duvide do conhecimento delas sobre bandas, minimize denúncias de assédio ou ache que qualquer crítica ao machismo é “mimimi”. É curioso: o cara se diz contra a censura, contra a religião, contra o sistema e contra a caretice, mas se desespera quando uma mulher usa a mesma raiva do metal para denunciar violência.

“Bruja Encabronada” incomoda porque vira esse jogo. A mulher não aparece como objeto, vítima passiva ou fantasia masculina. Ela aparece como ameaça. Como força. Como alguém que devolve o medo a quem sempre o produziu. A figura da bruxa, historicamente usada para perseguir mulheres independentes, aqui se transforma em símbolo de resistência.

No fim, a música funciona como um recado direto para a própria cena: o metal não pode se dizer livre, rebelde e extremo se continuar protegendo comportamentos machistas. Ser pesado não é apenas falar de sangue, morte e caos. Às vezes, ser pesado é encarar verdades incômodas dentro do próprio público.

“Bruja Encabronada” é isso: uma música brutal, raivosa e necessária. Uma lembrança de que a fúria feminina não é exagero. Muitas vezes, é apenas justiça gritando mais alto que a distorção das guitarras.