ANGRA reúne gerações e celebra sua trajetória no Espaço Unimed

Por Allan Kunha

Foto: @andretedimphotography

Existem shows que são apenas apresentações ao vivo. E existem aqueles que parecem um encontro entre passado, nostalgia e realização pessoal. O Angra Reunion no Espaço Unimed foi exatamente isso: uma celebração de diferentes fases da banda, reunindo músicos que marcaram gerações e entregando uma noite carregada de emoção para fãs que esperaram décadas por um momento assim. Mais do que um simples show, foi uma experiência quase catártica para quem cresceu ouvindo esses discos e sonhando em ver determinadas formações dividindo o mesmo palco novamente.

O evento estava marcado para começar às 21h e prometia quase três horas de duração. Houve um pequeno atraso por conta dos ajustes finais, e a casa estava completamente lotada, mas, no geral, tudo correu bem. O público do ANGRA é bem diverso em questão de idade: tinha desde adolescentes de 15 anos acompanhados pelos pais fãs da banda, passando pela galera na faixa dos 35 anos que viveu intensamente a era Rebirth e Temple of Shadows, até os veteranos de 40, 45 anos, que acompanharam a primeira fase desde Angels Cry.

Foto: @andretedimphotography

O ACT I começou com imagens da trajetória da banda sendo exibidas no telão do Espaço Unimed, que estava abarrotado. O vídeo passeava desde o início da carreira e suas diferentes formações até os dias atuais. O repertório dessa primeira parte foi focado principalmente na era clássica com Andre Matos, mas também abriu espaço para algumas músicas da fase com Fabio Lione.

O show já começou de maneira absurda com "Nothing To Say", levando o público à loucura logo em seguida com "Angels Cry". Porém, durante "Tide of Changes", o clima esfriou um pouco. Foi aquele momento em que muita gente aproveitou para ir ao banheiro ou buscar cerveja. Como o Dee Snider costuma dizer: existem as músicas que todo mundo quer ouvir e aquelas usadas para “tirar a água do joelho”. E, por mais bonita que "Tide of Changes" seja, a plateia claramente não estava ali por ela — ainda mais sem a voz do “Mago”. Mesmo sendo uma homenagem muito bonita à fase Lione, interpretada com competência pelo Alírio Netto, a escolha acabou não funcionando tão bem naquele momento inicial do show. O público queria outra coisa.

Foto: @andretedimphotography

Mas logo veio a sequência que provou que a entrada de Alírio Netto não aconteceu por acaso, e sim por ser uma escolha extremamente acertada: "Wuthering Heights", "Carolina IV" e "Make Believe". Foi facilmente um dos pontos altos da noite. Quem ainda não viu o Alírio ao vivo precisa ver, porque o cara canta demais. Voz afiadíssima, potência absurda e agudos impecáveis. Já estou ansioso para ouvir um álbum inédito do ANGRA com ele nos vocais, porque, sinceramente, esse parece ser o caminho certo.

A segunda parte começou com as luzes se apagando e o palco sendo tomado por tons de azul, numa clara referência ao momento mais aguardado da noite. Quando "In Excelsis" começou a tocar e surgiram as silhuetas dos “4 Cavaleiros do Zodíaco Apocalíptico” — nosso tesouro Kiko Loureiro, Felipe Andreoli, Rafael Bittencourt e Edu Falaschi — na linha de frente, acompanhados pelo “Ktulu” Aquiles Priester em sua nave baterística ao fundo do palco... F*DEU. Ninguém estava preparado para essa "Nova Era". Simplesmente tocaram o álbum Rebirth na íntegra.

Foto: @andretedimphotography

É difícil colocar em palavras a emoção de ouvir ao vivo músicas que marcaram toda uma geração do começo dos anos 2000. E o mais bonito era ver o Edu com um sorriso gigantesco no rosto o tempo inteiro. Atrás dele, o “Polvo” destruía tudo na bateria, enquanto Rafael, Felipe e Kiko tocavam em um nível absurdo. Foi emocionante de verdade. Dava para perceber claramente que os fãs daquela era clássica estavam profundamente emocionados.

Um detalhe que me chamou atenção: enquanto eu estava focado nas guitarras, acabei me surpreendendo ao perceber como Bruno Valverde toca pesado, mesmo usando traditional grip, uma técnica mais associada ao jazz e fusion. O cara simplesmente destrói.

Foto: @andretedimphotography

Realizei o sonho de ver o ANGRA com a formação clássica executando Rebirth na íntegra e, ao mesmo tempo, pude testemunhar a excelência da nova formação com Alírio Netto. Sério, o quanto esse cara canta ainda não está escrito. Ele honra o legado do nosso eterno maestro Andre Matos enquanto constrói sua própria história de maneira brilhante. Vocais impecáveis, presença de palco e muito respeito ao material clássico. Um verdadeiro mestre. Até agora estou sem palavras.

Destaques do show:

ACT I: Nothing To Say, Angels Cry, Wuthering Heights (perfeição!), Carolina IV e Make Believe.

ACT II: O REBIRTH INTEIRO, MERMÃO! (Visions Prelude ainda rolou como música de créditos no final).

ACT III: Reaching Horizons (voz e violão do Rafa), Silence and Distance, Late Redemption e, claro, o encerramento perfeito com Unfinished Allegro + Carry On.

Por enquanto é isso… provavelmente eu volto para falar mais alguma coisa. Ou não. Vai saber.

ANGRA aposta na nostalgia e prova sua força no Bangers Open Air 2026

Por Júlio Feriato

Reencontro de titãs. Foto: @anderscarvalho

Obs: as fotos que ilustram esta resenha foram ‘emprestadas’ do Instagram e estão devidamente creditadas aos seus autores. Caso alguma seja de sua autoria e você não queira que ela permaneça aqui, entre em contato para que seja removida.

Sempre que digo que, pelo menos no Brasil, o ANGRA é maior que o SEPULTURA, muita gente torce o nariz e trata como exagero. Mas, olhando para o que a banda ainda movimenta por aqui — fãs fiéis, shows cheios e um público que acompanha cada fase — não vejo tanto absurdo assim. No Bangers Open Air, essa impressão ficou ainda mais forte, pelo menos pra mim.

Logo após o encerramento do show do WITHIN TEMPTATION, corri de volta para a frente do setor de imprensa, um dos poucos pontos onde ainda dava para assistir com um mínimo de tranquilidade. Ou pelo menos era o plano. No caminho, precisei cruzar a área em frente ao Hot Stage, e aí a realidade foi outra: um mar de gente espremida, praticamente impossível de atravessar.

Enquanto o ANGRA iniciava a intro, eu ainda estava preso naquele aperto. Quando começaram os primeiros acordes de "Nothing to Say", mal consegui prestar atenção, minha prioridade era sair vivo da muvuca. Só depois de ativar o "modo sobrevivência", consegui me livrar e achar um lugar minimamente decente.

Já mais tranquilo, deu pra perceber que a banda começou do jeito certo: no talo. "Nothing to Say", com Alírio Netto nos vocais, abriu o set com energia alta e um público cantando junto. Na sequência, "Angels Cry" elevou ainda mais o clima, e aí não teve jeito, entrei no coro também.

Alirio Netto e Rafael Bittencourt. Foto: @diegoccamara

Depois de um início assim, o mínimo que se esperava era manter o pé no acelerador. Eu já estava pronto pra uma sequência com "Evil Warning", "Time" e outros clássicos. Mas aí veio o balde de água fria: Fabio Lione sobe ao palco. Até aí, ok. Pensei que viriam os melhores momentos da fase dele como "Black Hearted Soul", "Newborn Me", "War Horns" (que, pra mim, é facilmente uma das melhores dessa fase). Era o caminho mais certeiro. Só que a banda resolveu ir por outro lado.

Em vez de manter a energia, entraram músicas mais lentas, que quebraram o ritmo do show. Isso é algo que me incomoda no ANGRA: com tanto material forte com Lione, por que insistir justamente nas mais arrastadas? A sensação é de uma escolha que desmonta o que a própria banda construiu minutos antes.

Fabio Lione. Foto: @anderscarvalho

Vieram "Tide of Changes – Part I" e "Tide of Changes – Part II", que em estúdio funcionam bem, mas ao vivo não seguram o mesmo impacto. O clima até deu uma leve reagida com "Lisbon", que parecia indicar uma retomada. Pensei: “agora vai”. Não foi. Logo depois, veio "Vida Seca", seguida por "Wuthering Heights", clássico da Kate Bush, dessa vez com Alírio nos vocais, tentando um timbre mais próximo de Andre Matos, e, na minha visão, não funcionou tão bem. Vale dizer: respeito total ao Alírio, ele canta muito e dá conta do repertório. O problema não é sua capacidade, mas quando ele perdeu um pouco da força ao tentar imitar Andre.

A coisa só voltou a engrenar de verdade em "Carolina IV". Mas, a essa altura, a adrenalina do começo já tinha ficado pra trás. E assim se encerrou o primeiro ato.

Poucos minutos depois, começou o que provavelmente era o momento mais esperado: Kiko Loureiro, Aquiles Priester e Edu Falaschi se juntaram a Rafael Bittencourt e Felipe Andreoli para o segundo ato. Quando todos finalmente apareceram no palco, a plateia foi ao delírio. Era um momento histórico não só pro ANGRA, mas pra quem acompanha a banda há anos.

Kiko Loureiro, Edu Falaschi e Rafael Bittencourt. Foto: @diegoccamara

Quando "Nova Era" começou, o festival inteiro cantou junto. Bonito de ver. Mas aqui entra meu lado chato: Edu Falaschi claramente não estava num bom dia. Não sei se era questão de retorno ou qualquer outro fator, mas a voz não estava legal. Lembrei na hora de uma entrevista que fiz com ele em 2011, antes do Rock in Rio, quando ele brincou sobre não poder ficar doente pra não comprometer o show. Pois é… dessa vez, alguma coisa não encaixou.

A voz não melhorou ao longo do set. Sempre que as músicas exigiam mais, especialmente nas partes mais altas, a coisa não vinha. Ainda assim, seguiram com "Waiting Silence", "Millennium Sun", "Heroes of Sand", "Spread Your Fire" (uma das melhores dessa fase), "Acid Rain" e fecharam com "Rebirth".

O terceiro ato começou com uma bela homenagem a Andre Matos, com um vídeo antigo dele ao piano introduzindo "Silence and Distance". Confesso que quase fui às lágrimas — Andre é um dos poucos artistas cuja morte realmente me abalou. A banda seguiu com a música ao vivo, com três guitarras no palco (Kiko Loureiro, Marcelo Araújo e Rafael Bittencourt), além de Alírio e Edu dividindo os vocais. E aqui não tem como não notar: a diferença de potência entre as vozes é bem evidente.

Na sequência, veio mais uma balada, "Late Redemption", novamente com vocais divididos.

Os três tenores: Edu Falaschi, Fabio Lione e Alirio Netto. Foto: @lecasuzukiphoto

O show deu uma pausa e emendou a intro "Unfinished Allegro", que puxou "Carry On". Nesse momento, todo mundo estava no palco: Fabio, Alírio e Edu nos vocais; Bruno Valverde e Aquiles na bateria; Felipe Andreoli no baixo; além de Rafael, Kiko e Marcelo nas guitarras. Foi interessante de ver e talvez tenha sido o clímax da noite.

Os três vocalistas fizeram jus ao Andre Matos? Não. Mas, sendo bem honesto, ninguém esperava isso. "Carry On" sempre foi uma música muito específica na voz dele, e tá tudo bem.

Familia reunida (ou quase). Foto: @marcosoliveirapht

Se você chegou até aqui, já percebeu que essa resenha está carregada de críticas. E sim, são críticas de fã. Acompanho o ANGRA desde sempre, mas não sou fã cego, e também não sou dos mais fáceis de agradar. Senti falta de músicas como "Time" (como assim ficou de fora?), "Evil Warning", que pra mim é essencial, e até "Holy Land", já que a ideia era incluir momentos mais cadenciados. E volto no ponto: com tanto material forte da fase com Fabio Lione, dava pra fazer escolhas mais equilibradas.

Dito isso, a maioria ali claramente não se importou com nada disso. Tenho amigos que se emocionaram de verdade com esse show — o que talvez indique que eu esteja sendo crítico demais, quase um "Régis Tadeu" da vida.

No geral, o Bangers Open Air 2026 foi uma experiência muito positiva. Sinceramente, tenho pouco a reclamar do festival. Vi bandas que gosto, reencontrei amigos (o que, pra mim, é mais importante), e mesmo com o corpo destruído depois, valeu cada segundo. Sair do interior do Paraná pra viver isso foi mais do que válido.

Que venha o Bangers Open Air 2027, estarei lá, sem pensar duas vezes.

Minha experiência no BANGERS OPEN AIR 2026 - Parte 2

 Por Júlio Feriato

Reunião histórica do Angra no Bangers. / Foto: @marcosoliveirapht

Eu até tento evitar esse papo sobre idade, mas não tem jeito: o corpo entrega. O domingo amanheceu com cada músculo reclamando, reflexo direto da maratona vivida no dia anterior no Bangers. Não é simples encarar horas andando de um lado para o outro, subir e descer a rampa, repetir o trajeto inúmeras vezes — tudo isso sob um sol sem trégua. Ainda assim, se fosse possível voltar no tempo, faria tudo exatamente igual. E, de certa forma, foi o que aconteceu.

No domingo, 26 de abril, retornei ao Memorial da América Latina para mais uma jornada intensa no Bangers Open Air. Desta vez, a estratégia foi diferente: foquei mais nos palcos principais e deixei as passagens pelos palcos menores em segundo plano. Também corrigi um erro do dia anterior, nada de chegar cedo demais. Quando finalmente entrei, o PROJECT46, responsável pela abertura do dia no Ice Stage, já se encaminhava para o fim do set. Resultado: mal vi a apresentação, então fica difícil até arriscar qualquer comentário.

De qualquer forma, ainda deu tempo de pegar o show do PRIMAL FEAR, que entrou em cena logo na sequência. Eu já fui um grande fã da banda lá no fim dos anos 1990, quando lançaram o disco de estreia. Apesar de não acompanhar tão de perto os trabalhos mais recentes, bateu a curiosidade de ver ao vivo essa nova fase, especialmente com a guitarrista Thalía Bellazecca. E olha, valeu demais.

O show foi muito, mas muito bom. O som estava redondo (pelo menos de onde eu estava dava para ouvir tudo numa boa), e Ralf Scheepers segue cantando de forma impressionante, o cara simplesmente não desafina. A abertura veio com “Destroyer”, do álbum mais recente, Domination. Foi nessa música, inclusive, que Bellazecca deu um tropeço no palco que chegou a assustar quem viu, mas ela se levantou na mesma hora e seguiu como se nada tivesse acontecido. Na sequência, vieram “I Am the Primal Fear” e “Nuclear Fire”, mantendo a energia lá em cima.

Demorei até perceber a ausência do baixista e fundador Matt Sinner (substituído por Dirk Schlächter, do GAMMA RAY), que ficou de fora após passar por uma cirurgia depois de sofrer um corte sério na perna direita, resultado de um acidente com uma plataforma de bateria. Ainda assim, o foco acabou recaindo naturalmente sobre Thalía Bellazecca. Que presença! Além de ser uma guitarrista excelente, ela esbanja carisma, sempre sorrindo e interagindo com o público. E não é só ela: a banda inteira parece muito à vontade no palco, criando uma conexão direta com quem está assistindo, algo que faz toda a diferença na experiência de quem está ali, vivendo o show.

O set foi encerrado com a já clássica “Metal Is Forever”, com Scheepers conduzindo o público em coro, transformando o encerramento em um daqueles momentos coletivos que resumem bem o espírito do festival.

Nevermore no Bangers: memorável. / Foto: @_mariodavid_

Mas, pouco antes de o PRIMAL FEAR encerrar sua excelente apresentação, já fui me esgueirando pelo público até chegar à frente do Ice Stage, onde o NEVERMORE subiria logo na sequência. A expectativa era grande: este marcava o primeiro show da banda no Brasil desde o Live N Louder, em 2006, e também a estreia da nova formação por aqui, agora com o vocalista turco Berzan Önen assumindo a difícil missão de ocupar o lugar do saudoso Warrel Dane, falecido em 2017.

E que show absurdo.

Sem esconder: sou fã da banda desde o debut autointitulado, de 1995, então a ansiedade estava lá em cima — e, ainda assim, foi completamente superada. Berzan Önen não apenas respeita o legado de Dane, como entrega uma performance impressionante. Com todo respeito à história, arrisco dizer que ele canta hoje até melhor do que o próprio Warrel em seus últimos anos, quando já enfrentava limitações por conta de saúde. Ao vivo, sua voz soa potente, precisa e, em vários momentos, remete à fase áurea de Dane, só que com ainda mais fôlego.

O repertório foi enxuto e direto, priorizando as faixas mais intensas, decisão que funcionou muito bem. A abertura com “Narcosynthesis” colocou o público em ebulição, e a sequência manteve o nível: “Enemies of Reality” veio logo depois, seguida por “The River Dragon Has Come”, uma das minhas preferidas (quase fiquei sem voz). 

Berzan Önen, vocalista do Nevermore. / Foto: lecasuzukiphoto

Clássicos como “Beyond Within” e “Inside Four Walls” marcaram presença, sendo esta última um dos pontos mais fortes da apresentação. Houve ainda espaço para uma grata surpresa: “Engines of Hate”, possivelmente minha favorita de Dead Heart in a Dead World. Nessa hora, confesso, quase entrei na roda ali na frente, mas faltou coragem.

O encerramento veio com a dobradinha “My Acid Words” e a brutal “Born”. Antes da última, o baterista Van Williams incentivou o público a abrir um wall of death (em que a plateia se divide para, em seguida, colidir no mosh pit). Foi atendido prontamente e uma galera garantiu a pancadaria logo nos primeiros acordes.

Foi uma apresentação intensa e memorável que, sem medo de ser clichê, deixou aquele "gostinho de quero mais". Para mim, o NEVERMORE entregou o ponto mais alto deste dia no Bangers Open Air.

Assim que o NEVERMORE deixou o palco, os suecos do AMARANTHE já começavam os primeiros acordes no palco ao lado. Não é exatamente uma banda que me conquista — sempre que escuto, por algum motivo, me vem à cabeça algo na linha do BABYMETAL. Ainda assim, é inegável: os caras sabem fazer música “chiclete”, daquelas que grudam fácil, e contam com vocalistas muito competentes.

Particularmente, gosto bastante da voz de Nils Molin, que também canta no DYNAZTY. O cara tem uma presença de palco absurda e, sim, o cara é bonito pra caramba (e não, não tem nada demais em um homem reconhecer isso). Ao lado dele, Elize Ryd segura muito bem as partes melódicas, com uma performance segura e carismática. E Mikael Sehlin, responsável pelos vocais guturais, completa o trio com peso e precisão.

Acabei assistindo até “Digital World”, mas o foco já estava em outro lugar. A ideia era atravessar a área e seguir até o Sun Stage, lá depois da rampa, para não perder o show do CRAZY LIXX.

Vista panorâmica do Sun Stage com Crazy Lixx. Foto: @guiurban

Quando finalmente consegui chegar, o CRAZY LIXX já estava em ação, mandando “Rise Above”. O sol seguia castigando, então a prioridade foi encontrar um canto com sombra para curtir sem sair torrando no processo. Mesmo assim, o espaço estava bem cheio — sinal de que a banda tem publico por aqui. 

O clima ali era outro, mais leve e descontraído. O som do grupo remete direto ao universo do hair metal dos anos 1980, mas com uma pegada atualizada, sem soar datado. E, sinceramente, em vários momentos soa até mais interessante do que muita coisa daquela época.

Achei curioso vê-los em um palco menor — dava a impressão de que a banda já tem público suficiente para ocupar os espaços principais. Ainda assim, a escolha acabou tendo seu lado positivo: no Sun Stage, a proximidade com o palco é maior, o que facilita chegar mais perto e aproveitar melhor cada detalhe. O som também parece mais nítido, provavelmente por conta do espaço reduzido, o que deixa a experiência mais direta e envolvente.

Os sessentões do Winger. / Foto: @diegopadilha

Quando consegui voltar ao Ice Stage, o WINGER já estava em plena execução da clássica “Seventeen”. Antes mesmo do show, alguns colegas de imprensa comentavam que aquela poderia ser a última apresentação de Kip Winger como vocalista, baixista e líder da banda, já que ele pretende se dedicar integralmente à carreira orquestral. Ainda assim, há a possibilidade de um último disco solo, com composições que já estariam praticamente prontas. 

No palco, o clima foi de pura nostalgia. O repertório passeou pelos principais momentos da fase áurea do grupo, com destaques para “Can’t Get Enuff”, “Miles Away”, que certamente transportou muita gente de volta aos comerciais de cigarro Hollywood dos anos 1980, além de “Headed for a Heartbreak”, uma das minhas preferidas. Teve ainda a grudenta “Easy Come Easy Go” e, no encerramento, a indispensável “Madalaine”, fechando a apresentação com aquele sentimento de volta no tempo que combina perfeitamente com a proposta do show.

Na sequência, foi a vez do SMITH/KOTZEN, projeto que reúne Adrian Smith, do IRON MAIDEN, e Richie Kotzen, do THE WINERY DOGS. Mas, dessa vez, optei por passar. Não é um som que me prende muito e, a essa altura do dia, o cansaço já cobrava seu preço. Preferi dar uma pausa, recarregar as energias e me preparar para o WITHIN TEMPTATION, que, ao lado do NEVERMORE, era uma das apresentações mais aguardadas por mim naquele dia.

Sharon den Adel. / Foto: @ayumikranzini

E não me arrependi. O WITHIN TEMPTATION sabe como entregar um espetáculo que fica na memória dos fãs — e, dessa vez, não foi diferente. A abertura com “We Go to War” já deu o tom da apresentação, com a vocalista Sharon den Adel surgindo no palco usando uma máscara dourada. Segundo a própria cantora já comentou em entrevistas, o acessório carrega um forte simbolismo, conectado aos temas centrais do trabalho mais recente da banda.

Honestamente, nem tem muito o que destrinchar: foi um show daqueles que se sentem mais do que se analisam. O WITHIN TEMPTATION entregou uma apresentação impecável, com o público cantando praticamente todas as músicas em uníssono — eu incluso.

O repertório veio recheado de clássicos, com “Stand My Ground”, “In the Middle of the Night”, “Faster” e “Wireless” mantendo a energia lá em cima. “Paradise (What About Us?)”, pelo menos para mim, foi o grande momento da noite, daqueles que arrepiam do começo ao fim.

Foto com a galera. / Foto: Foto: @ayumikranzini

Como já era esperado, o encerramento veio com a dobradinha “Ice Queen” e “Mother Earth”, fechando a apresentação em clima épico e deixando aquela sensação de missão cumprida, tanto da banda quanto de quem estava ali assistindo.

Depois dessa apresentação arrebatadora do WITHIN TEMPTATION, tratei de me apressar em busca de um lugar com menos muvuca para assistir ao ANGRA, que subiria ao palco na sequência — e não foi tarefa simples. O Hot Stage já estava tomado por uma multidão, e atravessar aquele mar de gente exigiu certa paciência (e disposição).

Mas essa já é outra história, que fica para uma terceira parte. Até porque esse show especial do ANGRA merece mesmo uma atenção mais detalhada.

Continua...

Minha experiência no BANGERS OPEN AIR 2026 - Parte 1

 Por Júlio Feriato

Lauren Hart, vocalista do Arch Enemy. / Foto: @diegoccamara

No último fim de semana de abril, São Paulo capital recebeu mais uma edição do Bangers Open Air que, somando os anos em que ainda se chamava Summer Breeze Brasil, chega à sua quarta realização cercado de elogios. 

Para driblar as críticas ao line-up do ano passado, a organização desta vez acertou ao apostar em uma mistura equilibrada entre nomes consagrados e bandas mais recentes, reunindo atrações como JINJER, AMARANTHE, WITHIN TEMPTATION, PRIMAL FEAR, TANKARD, VIOLATOR, CRYPTA, TORTURE SQUAD, KRISIUN, IN FLAMES e várias outras. Nos headliners, o ARCH ENEMY fechou o sábado (25) e o ANGRA encerrou o domingo (26), em apresentações que empolgaram o público. No geral, foi bonito de ver — com ressalvas, claro, porque nenhum evento é perfeito, mas com saldo mais do que positivo.

Cobrir um festival desse porte, porém, não é tarefa simples. Com quatro palcos espalhados pelo Memorial da América Latina, o evento exigia fôlego e planejamento. Na área dos palcos principais, Hot Stage e Ice Stage, havia opções de alimentação, bebida e merchandise — com preços salgados, chegando a R$ 200 em camisetas e R$ 400 em moletons — além do Lounge, voltado a quem buscava mais conforto (mas sem acesso para avaliação da imprensa). 

Do outro lado, os palcos Sun Stage e Waves Stage reuniam bandas consideradas “menores”, ainda que algumas merecessem tocar nos palcos principais. Diante de tanta coisa acontecendo ao mesmo tempo, foi inevitável fazer um recorte pessoal na cobertura, priorizando os shows de maior interesse — até porque, por mais imparcial que eu tente ser, também sou fã.

DIA 25 - SÁBADO

Johanna Sadonis, do Lucifer. / Foto: @diegoccamara

Cheguei cedo naquele dia e acabei pegando a passagem de som do LUCIFER, primeira atração do Sun Stage. Em um momento meio infeliz (e totalmente desnecessário, diga-se), tentei fazer uma foto da vocalista Johanna Sadonis, e ela, prontamente, fez um gesto claro pedindo para não ser fotografada. Constrangido, respondi com um “joinha” e guardei o celular na hora. Ainda deu tempo de ouvir um sonoro “put down your fucking cell phones!” vindo do palco. Preferi fingir que não era comigo e segui andando. Situação meio sem graça, mas que também serve de lembrete: nem todo momento, especialmente em passagem de som, é convite aberto pra foto.

Mas não vou mentir: peguei um certo ranço depois da situação e acabei assistindo só ao começo do show. Também pesa o fato de que o som da banda nunca me convenceu muito. Ao vivo, até entregam bem, e vale dizer que tinha uma galera considerável que chegou cedo justamente para vê-los, mas, pra mim, não foi o suficiente para segurar até o fim.

Foto: @paauloalexandria

Preferi subir a rampa e seguir para o Hot Stage, onde o KORZUS já estava tacando o terror, no melhor sentido possível. Era o segundo show da banda com os guitarristas Jean Patton (ex-PROJECT46) e Jessica Falchi (ex-CRYPTA), e, não tem muito o que dizer: KORZUS ao vivo é sempre garantia. Se tem uma banda que entrega exatamente o que promete, é essa. Cheguei bem na hora em que rolava o novo single “No Light Within”. Confesso que não tinha curtido tanto quando saiu o clipe, mas ao vivo a música ganhou outra força — uma pena que essa energia toda não tenha sido tão bem captada na versão de estúdio.

Tom S. Englund, vocalista/guitarrista do Evergrey. / Foto: @diegoccamara 

Logo na sequência, o Hot Stage já recebia o EVERGREY. Nunca dei muita bola pra banda, mas depois de vê-los ao vivo na primeira edição do Summer Breeze Brasil, passei a entender melhor o apelo, mesmo sem me tornar fã. Ainda assim, não fiquei até o fim. O sol estava castigando e a ideia era poupar energia para o show do VIOLATOR, que aconteceria “além da rampa”.

Depois de um breve pit stop na sala de imprensa — que, diga-se, estava bem equipada, com água, refrigerante, energéticos, petiscos e frutas à disposição dos profissionais —, recarreguei as energias e voltei à missão. Era hora de subir novamente a rampa e seguir para o outro lado para conferir o show do VIOLATOR.

Violator no Sun Stage. / Foto: @bel.santosfotografia

Sempre achei o VIOLATOR uma banda “injustiçada”. Apesar de fazerem bastante sucesso fora do Brasil - inclusive com um DVD gravado no Chile e disco ao vivo gravado na China — e terem um som consistente, parece que por aqui ainda não conseguiram “virar” de vez. Em entrevistas, o vocalista Poney já comentou que essa permanência no underground é, em grande parte, uma escolha da própria banda. Para se ter uma ideia, eles chegaram a recusar um contrato com a gravadora alemã Nuclear Blast. Mas esse é assunto para outra pauta.

Antes do início do show, enquanto a banda passava o som, muitos fãs já se concentravam na frente do palco, aguardando o começo da apresentação. Poney, no entanto, circulava tranquilamente pelo meio do público, conversando e tirando fotos com quem se aproximasse. Ficou claro ali que o cara é acessível, humilde e tem uma relação próxima com os fãs.

Sem muita enrolação, o show começou com “Ordered to Thrash”, seguida por “Hang the Merchants of Illusion” e “Endless Tyrannies”. Quem conhece a banda sabe bem qual é a posição política e a visão de mundo dos integrantes. Por isso, não surpreendeu quando, entre uma música e outra, Poney fez discursos anti-imperialistas, críticas à extrema direita e manifestações de apoio à Palestina, cuja bandeira, inclusive, estava exposta no palco. 

O clímax veio com o anúncio de “False Messiah”: Poney repetiu várias vezes, com muita autoridade, o coro “Foda-se Jair Messias Bolsonaro”, torcendo o nariz de muitos reaças que acompanhavam de longe. O VIOLATOR deixou claro que não segue a ideia de que “música e política não se misturam”. No caso deles, mistura sim, e sem pedir licença.

Infelizmente, não deu para acompanhar o show até o fim. O horário já se aproximava da apresentação do JINJER no Hot Stage, e lá fui eu novamente atravessar a rampa de volta. E olha, não foi nada fácil chegar até lá. A multidão que seguia no mesmo sentido era enorme, somada ao sol escaldante que castigava o público. Quem não levou protetor solar ou algum tipo de proteção acabou sofrendo bastante. Mas, ainda assim, provavelmente ninguém sofreu mais do que a cantora Tatiana Shmailyuk, do JINJER .

Tatiana Shmailyuk, do Jinjer. / Foto: @diegoccamara

No início, ela até parecia levar numa boa. Mas, com o passar do tempo, ficou claro o incômodo com o sol forte batendo direto no rosto o tempo todo. Honestamente, deu até dó. Convenhamos também que a “vestimenta” escolhida para a apresentação — um vestido rosa — não ajudou muito. Provavelmente, o calor ficou ainda mais intenso com essa roupa. Enfim, escolhas.

Quanto ao show em si, admito que não sou um grande fã da banda. Conheço as músicas mais famosinhas, como “Pisces”, e só. Ainda assim, quis conferir como o JINJER funciona ao vivo e, sendo bem sincero, não me convenceu tanto. É verdade que o calor estava pesado até para quem é fã mais fervoroso, e isso claramente atrapalhou o andamento do show.

Além disso, o repertório escolhido me pareceu um pouco “arrastado” em vários momentos. Por outro lado, conversando com pessoas que realmente acompanham a banda, essa percepção passou longe de ser um problema. Para quem curte, o JINJER ao vivo entrega consistência, e Tatiana, sem dúvida, manda muito bem no palco.

Logo após o show do JINJER, e sem muita demora, teve início, no Ice Stage, a apresentação do Killswitch Engage. Mas eu não estava nem um pouco a fim de assistir. Primeiro, porque já estava cansado demais. Segundo, porque a banda realmente não me desce. Já os vi ao vivo no Monsters of Rock 2013 e na primeira edição do Summer Breeze Brasil, o que, para mim, já foi mais do que suficiente.

Crypta no Sun Stage. / Foto: @bel.santosfotografia

Diante disso, preferi aproveitar o tempo para recarregar as energias e me preparar para enfrentar novamente aquela rampa maldita, desta vez rumo ao show da CRYPTA, que começou pontualmente às 17h20, no Sun Stage.

Vale lembrar que, antes delas, quem subiu ao palco foi o TORTURE SQUAD, escalado para substituir o FEAR FACTORY no line-up poucos dias antes do evento. Infelizmente, não consegui acompanhar essa apresentação.

Já no show da CRYPTA, o espaço estava praticamente lotado para ver as garotas, que, como de costume, deram conta do recado. Se não me falha a memória, essa apresentação no Bangers foi a segunda com a nova guitarrista, a norte-americana Victoria Villarreal, efetivada na banda cerca de uma semana antes. Como ela já havia participado de uma turnê pelos Estados Unidos como guitarrista convidada, o entrosamento com o grupo já estava bem consolidado.

Foto: @bel.santosfotografia

O show começou com “Death Arcana”, faixa que não aparecia no repertório ao vivo há algum tempo, seguida por “Lullaby for the Forsaken” e “Poisonous Apathy”. Sem muito rodeio, foi um show incrível. O som estava limpo, Fernanda, como de costume, teve uma entrega absurda no palco, e o público respondeu à altura.

A única ressalva fica por conta de um ponto específico: na minha opinião, a CRYPTA já tem status suficiente para se apresentar nos palcos principais do Bangers, e não entendo por que isso ainda não aconteceu.

Após esse belíssimo show, encerrei minha passagem por aquele lado do evento. Queria muito ter assistido às apresentações do TANKARD e do ONSLAUGHT, que também tocaram por ali, mas os horários coincidiam com os shows do IN FLAMES e do ARCH ENEMY. Por uma questão de gosto pessoal, acabei optando por essas duas últimas.

Como falei lá no comecinho, é impossível conseguir acompanhar tudo o que acontece em um festival como esse. Por exemplo, não vi nenhuma atração que rolou no Waves Stage, que ficava no mesmo lado do Sun Stage, porém em uma área coberta e até mais confortável, já que funcionava dentro de um auditório.

Por ali também havia diversas barracas de lojas, estandes, lanchonetes e praça de alimentação. Outro ponto que chamava atenção era o estande do Canal Amplifica, onde pessoas aleatórias se reuniam para tocar covers e interagir. Ou seja, ir ao Bangers é uma experiência completa, desde que você tenha disposição para conseguir aproveitar ao máximo tudo o que o festival oferece.

Anders Fridén, vocalista do In Flames. / Foto: @diegoccamara

Quando finalmente consegui atravessar para o outro lado, o BLACK LABEL SOCIETY já estava no meio do set. Mas acabei nem acompanhando. O cansaço já pesava e, naquele momento, o melhor a fazer era me preservar para o que vinha a seguir: o IN FLAMES.

Depois de me recuperar por alguns minutos, segui direto para a frente do Ice Stage. A expectativa estava lá no alto. Afinal, é uma das minhas bandas favoritas, e eu carregava essa vontade desde a última vez que vi um show deles em 2008. 

A banda deu início ao show pontualmente às 19h15, abrindo com a já clássica “Pinball Map”. O público, como era de se esperar, cantou em uníssono. No repertório, não faltaram outros hits, como “The Quiet Place”, “Cloud Connected” e “Only for the Weak”.

Um ponto que me chamou a atenção foi o vocalista Anders Fridén, que aparentava estar bastante cansado - o que não comprometeu em nada a performance da banda como um todo. Comentando esse detalhe com um amigo, ele levantou a hipótese de que o IN FLAMES vinha em uma sequência intensa de shows, praticamente um por dia, há pelo menos um mês. Se for esse o caso, dá para entender o desgaste.

Infelizmente, nenhuma música dos álbuns mais antigos entrou no setlist. Eu ainda tinha a expectativa de ouvir ao menos alguma faixa de Colony, mas a banda acabou priorizando o repertório da fase pós-anos 2000. O encerramento veio com “I Am Above” e “Take This Life”, fechando o set em alta e com boa resposta do público. 

Um momento curioso foi quando, antes de sair do palco, Anders resolveu mandar algumas mensagens ao público, com frases como “sejam sempre gentis com as pessoas” e “sejam bons para seus pais” e outras desse tipo. Foram recados simples, quase até ingênuos, algo pouco comum vindo de uma banda de metal, mas que deram um tom leve e diferente ao encerramento da apresentação.

Os palcos principais ficam lado a lado, então, quando um show termina, cerca de cinco minutos depois já começa outro no palco vizinho. Assim que o IN FLAMES encerrou, tratei de procurar um lugar mais confortável. Mesmo na pista premium, o acúmulo de gente era grande, especialmente quando chega a hora da principal atração da noite. E, naquele caso, estou falando do ARCH ENEMY.

Arch Enemy no Bangers Open Air. / Foto: Marcos Hermes _MHermes

Era a estreia da nova vocalista Lauren Hart em terras brasileiras, então a expectativa do público era grande. E, como diz o ditado, a banda “já chegou chegando”. O set começou com “Yesterday Is Dead and Gone”, seguida de “The World Is Yours”.

Sobre Lauren, dá para dizer que ela é como um lobo em pele de cordeiro. À primeira vista, parece até “fofa”, mas, quando começa a cantar, a impressão muda completamente. Nem loba é, vira praticamente uma leoa no palco. E olha, ela deu conta do recado. Dominou o público como uma veterana e recebeu de volta todos os louros possíveis da multidão, que ficou até o fim do evento para assistir à banda.

A música nova, aquela que gerou toda a polêmica envolvendo Kiko Loureiro, também foi bem recebida. Ainda assim, o repertório não deixou de fora clássicos como “Bury Me an Angel”, “Ravenous” e “War Eternal”.

Um momento marcante veio quando Lauren se emocionou e chegou a derramar algumas lágrimas, em resposta ao carinho do público, que gritava seu nome a todo momento. Um sinal claro de que ela foi mais do que aprovada pelos fãs da banda. O show chegou ao fim com a clássica “Nemesis”, seguida de “Fields of Desolation”. 

Com essa apresentação, o ARCH ENEMY mostrou por que é um dos principais nomes do death metal melódico sueco. Afinal de contas, não adianta soar bem só no estúdio; ao vivo é que a banda prova seu peso, e isso eles fizeram sem dificuldade alguma.

Continua...

DISMEMBER: o nascimento do clássico "Like an Everflowing Stream"

Por Krampus

Foto promocional do álbum "Like an Everflowing Stream".

No início dos anos 1990, a Suécia consolidava seu nome como um dos principais polos do death metal mundial. Com uma sonoridade própria — marcada por guitarras densas e atmosfera sombria —, bandas como ENTOMBED e CARNAGE ajudaram a definir os rumos do gênero. Nesse cenário efervescente, o DISMEMBER surgia como um dos nomes mais promissores da cena.

Assim como seus compatriotas do NIHILIST e do ENTOMBED, o DISMEMBER já lançava demos desde 1988. No entanto, enquanto o ENTOMBED estreou em 1990 pela Earache Records, o DISMEMBER levou cerca de 11 meses a mais para lançar seu primeiro álbum pela Nuclear Blast.

Carnage.

A demora pode ser explicada por diferentes fatores: desde o tempo necessário para a contratação pela gravadora até o envolvimento de seus integrantes — Matti Kärki, David Blomqvist e Fred Estby — com o primeiro disco do CARNAGE, "Dark Recollections". Vale lembrar que algumas faixas originalmente ligadas ao repertório do DISMEMBER, como "Self Dissection" e "Death Evocation", acabaram sendo registradas nesse álbum.

Naquele período, a cena sueca de death metal era marcada por intensa colaboração entre músicos. Kärki, por exemplo, chegou a substituir Johan Liiva — que posteriormente integraria o ARCH ENEMY. Já Michael Amott deixou o CARNAGE rumo ao CARCASS, enquanto outros integrantes circularam por bandas como o próprio ENTOMBED. Era um cenário de trocas constantes, típico de um movimento ainda em formação.

É nesse contexto que surge "Like an Everflowing Stream" — doravante referido como LAEFS —, um dos lançamentos fundamentais do death metal sueco. Ao lado de "Left Hand Path", do ENTOMBED, e de "Dark Recollections", do CARNAGE, o disco ajudou a consolidar o som característico da região. Em comparação ao trabalho do CARNAGE, de produção mais branda, LAEFS se destaca por sua abordagem mais crua, agressiva e visceral.

Embora compartilhe três integrantes com o CARNAGE, o DISMEMBER apresenta aqui uma sonoridade renovada. Em relação a "Left Hand Path", o álbum soa mais sombrio e ameaçador, apostando em contrastes entre velocidade e cadência. Faixas como "And So Is Life" evidenciam o uso inteligente de melodias e variações rítmicas, enquanto elementos pouco usuais, como vocais em coro, ampliam a atmosfera das composições.

Outro destaque é "Dismembered", cuja introdução longa e sinistra cria tensão antes de evoluir para passagens intensas, marcadas por blast beats e mudanças de andamento. Já "Bleed for Me" revela resquícios do punk sueco, ainda que em menor grau, enquanto "Skin Her Alive" flerta com o thrash metal, podendo facilmente ser associada a nomes como Darren Travis ou Mille Petrozza.

Sem a necessidade de analisar faixa a faixa, fica evidente que o DISMEMBER entregou um trabalho mais sombrio e consistente do que muitos de seus contemporâneos. Até mesmo escolhas estéticas típicas da época, como os efeitos vocais em "Defective Decay", soam coerentes dentro do contexto do início dos anos 1990.

Recentemente, a banda anunciou seu retorno com a formação original, reacendendo o interesse dos fãs por um dos nomes mais importantes do death metal escandinavo.

Selo: Back On Black
Data de lançamento: 28 de março de 2010 [originalmente de 1991]

Formação:
Fred Estby – Bateria, Letras;
Matti Kärki – Vocal, Letras;
David Blomqvist – Guitarra Rítmica (solo na faixa 1);
Robert Sennebäck – Guitarra Rítmica;
Richard Cabeza – Baixo;
Participação especial de
Nicke Andersson [baterista do Entombed ] – Guitarra Solo (faixas 2-8).

Lista de faixas:
1 Override of the Overture
2 Soon to Be Dead
3 Bleed for Me
4 And So Is Life
5 Dismembered
6 Skin Her Alive
7 Sickening Art
8 In Death's Sleep
9 Deathevocation
10 Defective Decay
11 Torn Apart
12 Justifiable Homicide

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EXORCIST: A GÊNESE ASSUSTADORA DE "NIGHTMARE THEATRE"

Por Krampus

Nos anos 90, meu grupo de amigos — mais de 30 jovens fanáticos por metal — estava totalmente imerso no movimento underground. Se a capa fosse brutal ou ofensiva e a música combinasse, estávamos dentro. Logo as comportas se abriram e inúmeras bandas "novas" surgiram, como Bathory, Possessed, Mayhem e Exodus, e a cada álbum o gênero se expandia, ficando mais intenso.

Um dia, nos deparamos com um álbum que marcou mais do que talvez todos os outros que vieram antes dele, com seu som demoníaco e uma narrativa que, mais de trinta anos depois, ainda me fazem elogiá-lo aos quatro ventos. Esse álbum era de uma "banda" desconhecida chamada Exorcist, e se chamava Nightmare Theatre. Curiosamente, a história de como essa obra-prima surgiu pode ser mais interessante do que o próprio disco...

Veja bem, no início dos anos 80, havia um vocalista e compositor em Nova York chamado David Defeis. Ele era o líder de uma pequena banda independente de power metal chamada Virgin Steele, que nunca alcançou o sucesso das bandas que mencionei anteriormente, mas lançava álbuns excelentes no estilo do Queensrÿche e do Iron Maiden do início de carreira.

No entanto, depois de "pegar emprestado" dinheiro do seu empresário para conseguir a qualidade de álbum que ele e a banda desejavam, esse empresário começou a querer parte do dinheiro de volta. Querendo que seu cliente "cantasse com os anjos" em vez de "dormir com os peixes", ele propôs uma ideia irrecusável para Defeis: compor alguns álbuns para ele, encontrar alguns músicos, gravar tudo rapidamente e produzir três discos que ele pudesse vender além dos trabalhos do Virgin Steele — tudo sem que ninguém soubesse que era, na verdade, o David.

Embora o fato de artistas fingirem ser outros não fosse exatamente uma novidade (vide os dois primeiros álbuns dos Monkees, com músicos e compositores "de verdade"), era algo inédito no mundo do metal. Mas Defeis, numa situação delicada, aceitou o acordo para quitar a dívida. Junto com o guitarrista do Virgin Steele, Edward Pursino, ele se propôs a gravar três álbuns de metal em um mês. Isso mesmo, UM mês! Com cada um tentando ser distinto, diferente e definitivamente fora do estilo Virgin Steele, eles entraram rapidamente no estúdio para criar esse material, tudo sob a forte pressão de se livrarem das pessoas que os cobravam.

O primeiro disco foi de uma banda já estabelecida chamada Piledriver. Liderada pelo vocalista Gord Kirchin, a formação tinha um estilo meio parecido com o do The Mentors, com machões que exaltavam sexo, drogas e bebidas. O álbum Stay Ugly foi escrito por Defeis e Pursino depois de ouvirem o primeiro disco da banda, chamado Metal Inquisition, e tentarem dar continuidade ao trabalho de onde ele havia parado. Composto e gravado em menos de uma semana, acabou sendo um sucesso moderado — um bom começo para essa farsa, mas o melhor ainda estava por vir.

O segundo álbum deveria ser um projeto totalmente novo. Uma obra-prima de black metal no estilo do Venom e dos então novatos do Bathory, da Suécia. Defeis ficou encarregado de compor o material, contratar músicos para se juntarem a Pursino, além de supervisionar e produzir o projeto.

Criado num ambiente operístico com forte tradição de contar histórias, Defeis decidiu que seu trabalho teria um conceito: os julgamentos das bruxas de Salem, no século XVII, e a possessão demoníaca que os acompanhava. No entanto, quando chegou a hora de gravar sua obra satânica, tanto o baixista quanto o vocalista contratados desistiram imediatamente devido às suas crenças cristãs. Pressionado pelo tempo, Defeis percebeu que, naquele momento, o único disponível para os vocais era ele mesmo. Então, ele assumiu o microfone e rapidamente transformou sua voz natural de mais de três oitavas naquela voz infernal. E em menos de uma semana, outro álbum estava gravado: Exorcist.

Curiosamente, o que realmente me impressiona neste álbum é a sua qualidade, considerando o pouco tempo que levou para ser criado. Vocais malignos e exagerados que rosnam de dor, solos de guitarra incendiários e até mesmo as partes de baixo e bateria soam como se a banda estivesse tocando aquele material há anos, e não como se fosse uma novidade. Na verdade, ele tinha algo que a maioria dos álbuns daquela época não podia afirmar: era realmente assustador, como um filme de terror da Hammer dos anos 70. Para quem nunca ouviu, imagine se, digamos, o Mercyful Fate fosse "obrigado" a fazer um álbum como o Venom. Ou o Iron Maiden fazendo o seu melhor para imitar o Bathory.

Aliás, fizeram um ensaio fotográfico para a banda "falsa" com quatro caras que não estavam no álbum! Tudo isso sob a pressão de garantir que ninguém reconhecesse que eram, na verdade, os membros do Virgin Steele. E acredite, eles conseguiram. Se esse segredo nunca tivesse sido revelado, nem eu acreditaria que eram as mesmas pessoas. Verdadeiramente uma das histórias mais estranhas do heavy metal underground dos anos 80: eles criaram uma "banda" que, depois que o projeto terminou, chegou às lojas, vendeu bem e desapareceu rapidamente, sem que ninguém jamais desconfiasse que ela não existia de verdade.

Infelizmente — e digo infelizmente mesmo —, como muitas gravadoras daquela época, a Cobra Records faliu antes do fim da década. Por causa disso, Nightmare Theatre nunca foi lançado em CD (apenas alguns bootlegs remasterizados a partir do vinil). Mais de 30 anos se passaram, e só recentemente Defeis admitiu ser o responsável pelo Exorcist. Para nossa sorte, quando ele devolveu as gravações originais desses três álbuns, entregou cópias mixadas, guardando a master original para si, pensando que, quem sabe um dia, pudesse relançar o álbum. Em 2016, ele decidiu que finalmente era a hora certa.

Dito isso, o que eu tenho em casa é a versão mais recente em LP, mas deixe-me contar a vocês como o conjunto de dois CDs foi lançado: completo com luva protetora, novas notas/fotos de encarte e algo que eu jamais imaginei ser possível: não uma, nem duas, mas três versões diferentes do álbum, cada uma ligeiramente diferente das demais. A primeira versão é o álbum original com o qual cresci, remasterizado para os padrões atuais; a segunda é uma mixagem mais alta com algumas pequenas adições; e a terceira, na qual certas partes foram estendidas e regravadas, inclui efeitos assustadores adicionais. No geral, é uma ótima apresentação.

Também há novas faixas "descobertas" do Exorcist, mas que na verdade são novas faixas de Defeis gravadas no clima da banda, que finalmente permitiram que ele fosse ele mesmo, com sua voz característica do Virgin Steele, junto com sua metade sombria "Damian Rath" (sob a qual ele foi creditado no álbum original). Essas novas faixas são interessantes, incluindo duas regravações de "Death By Bewitchment" e "Queen Of The Dead", nas quais ele parece estar fazendo um dueto com ambas as suas versões!

Nightmare Theatre é, sem dúvida, uma obra-prima do thrash/black metal dos anos 80. O fato de um álbum que ouvi pela primeira vez na adolescência me impactar tanto mostra que é algo realmente especial. Um conceito e narrativa únicos (quase dois anos antes de Abigail, do King Diamond), interlúdios aterrorizantes e faixas de metal abrasadoras que ficarão na sua cabeça para sempre.

Por fim, gostaria de acrescentar que, se o Sr. Defeis algum dia ler isto, eu gostaria de lhe agradecer. Sei que o Virgin Steele é seu xodó, seu ganha-pão, mas de todo o seu trabalho, nada me marcou tanto quanto Nightmare Theatre. Uma obra conceitual verdadeiramente original para uma era do metal que jamais morrerá. Ainda soa tão atual e assustadoramente original quanto em 1986. Sua remasterização pessoal ficou excelente.

Espero que, com isso, uma nova geração de fãs o descubra, fazendo com que você perceba que até mesmo grandes momentos podem surgir da adversidade. Como você, e como a criança no final do álbum, diz: "Tudo graças ao Exorcist, Deus o abençoe."

Ah, e quanto ao "terceiro" álbum de que eu estava falando? Esse projeto final se chamava Original Sin e era para ser uma banda só de mulheres, composta e interpretada por três caras e a própria irmã do David nos vocais principais! Soa como uma continuação musical do Nightmare, mas com uma vocalista gótica, o que por si só já é uma história à parte.

Gravadora: High Roller Records
Ano de lançamento original: 1986 [Reedição analisada em 2018]

Formação:
Damien Rath – Vocal, Baixo
Marc Dorian – Guitarras, Baixo
Jamie Locke – Baixo Geoff Fontaine – Bateria 

Lista de faixas: 
01 – Black Mass 
02 – The Invocation 
03 – Burnt Offerings 
04 – The Hex 
05 – Possessed 
06 – Call for the Exorcist 
07 – Death by Bewitchment 
08 – The Trial 
09 – Execution of the Witches 
10 – Consuming Flames of Redemption 
11 – Megawatt Mayhem 
12 – Riding to Hell 
13 – Queen of the Dead 
14 – Lucifer's Lament 
15 – The Banishment 

Links relacionados: Entrevista com David Defeis sobre os tempos do Exorcist